Carlos Alberto Ruiz Maldonado

2010-05-20T16:59:00.003-07:00

Todo sobre mi madre
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Una campaña publicitaria con mucha presencia en la Ciudad de México, anuncia la puesta en escena Todo sobre mi madre que se presenta en el Teatro Insurgentes, y claro, sí se trata del trabajo que dio vida a la película del mismo nombre, pero por ahora, dejemos en su sitio a la cinta y distingamos lo que la puesta teatral tiene por ofrecer.

Excepcionalmente, Samuel Adamson adapta el trabajo fílmico del también excepcional Pedro Almodóvar y lo lleva a los códigos de la representación, y es Francisco Franco el responsable del trabajo de dirección de la versión presentada en nuestro país. Franco, quien ya denota mucho oficio en su trayectoria como director escénico e incluso afina un estilo que poco le falta para su consolidación, guía a un elenco que bien nos entrega a un tornado emocional que asota de la risa a la fatalidad, revelando una lucha de interpretaciones entre sus protagonista que resulta en una devastación de ánimos, lo mínimo que exige este drama.

Las complicaciones de la historia se establecen cuando un adolescente muere atropellado al ir en búsqueda del autógrafo de su actriz favorita, Manuela, la madre del chico, tras el terrible acontecimiento se enfila hacia un reencuentro físico con su pasado intentando encontrar al padre se su hijo en un camino que regala una trama basta, intensa, tan ácida como la vida, porque ahí, en el teatro y en esta puesta, nos encontramos con el recurso del espejo, un hábil pretexto que incluye al teatro dentro del teatro como un sutil juego que confunde al espectador y lo cambia de realidad, a una realidad penetrante, densa y provocativa.

Por supuesto, el impacto de esta puesta mucho debe su reconocimiento al trabajo de producción, particularmente a lo que realiza en ella Jorge Ballina y su destacable labor como escenográfo, construyendo los ambientes adecuados, dinámicos y de gran estética que erigen el marco perfecto para vestir los diálogos y acciones que ahí se muestran.

No lo sé de cierto, pero algo se habla de que serán pocas las funciones que albergue el recinto de insurgentes esta obra, sin embargo, lo que sí sé con seguridad es todo lo que esta historia tiene por provocar en cualquier asistente que cuente con el mínimo de sensibilidad, ya con esto, al menos por curiosidad vale buscarla.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen por Toni Francois

www.todosobremimadremexico.com

2010-03-03T19:32:00.004-08:00

Todos eran mis hijos

Dentro de una cartelera que pareciera de a poco ir despertando del letargo, aparece por estos días dentro de la propuesta teatral de la ciudad de México, Todos eran mis hijos (All my sons), de la autoria del extraordinario dramaturgo norteamericano Arthur Miller, misma pluma que se encuentra detrás de otros éxitos del teatro mundial como El arzobispo y Después de la caída, y que esta ocasión construye una tragedia capaz de cortar la moral, a través de una fina incisión con la cual logra destazarla por completo.

Lo que ofrece este drama, bajo la dirección de Francisco Franco, es una historia donde el amor abre caminos al tiempo que los destruye a gran velocidad en un paso que rescata heridas del pasado que sangrarán de nuevo para lograr su cicatriz. Todo parece encajar en una trama inteligente y elaborada como resuelta ésta: en el marco de la segunda guerra mundial, un hombre intenta rescatar su respetabilidad tras haber sido acusado de vender un cargamento de piezas imperfectas que provocó la caída de veintiún aviones de guerra; paralelamente, al interior de su familia, su hijo menor, pretende contraer nupcias con la que fuera novia de su hermano , todo conjugando en un fárrago que provocará la felicidad e ira de cada uno de los personajes en escena, todo esto, cubierto por un pesado velo donde las dobles intenciones se tornarán más peligrosas que los campos minados.

Todos eran mis hijos, así se convierte en una obra que vale por sus interpretaciones penetrantes, logradas con base a su buen reparto, a la par que integra un espectáculo profundo, de propiedades sobresalientes, que sin mayores pretensiones alcanza una producción de calidad, logrando una adecuada iluminación, ambientación e incluso el juego de algunos efectos especiales que favorecen mucho la puesta, engrandeciendo la experiencia del asistente.

Bien parece que la compañía productora que tiene en sus manos este proyecto se apuntala como una referencia del teatro de calidad mexicano, y por lo que se puede suponer, de acuerdo al programa de mano, más espectáculos esperan en puerta, pero por el momento, que valga la paciencia y se aligere con toda la charla y reflexión que ofrece esta gran obra.

Por Carlos Alberto Ruiz

2010-02-02T19:34:00.005-08:00

Fiesta de luz

Durante el último invierno, el Gobierno de San Luís Potosí a través de su Secretaría de Turismo, entabló un proyecto de atractiva y novedosa belleza, que indiscutiblemente engrandeció las seductoras cualidades de este magnifico estado. La muestra, distinguida bajo el título de Fiesta de luz, se nutría principalmente de una banda sonora y un juego de imágenes proyectadas sobre tres edificios monumentales ubicados en el Centro histórico de San Luís, acto que diversificaba la presentación de la propuesta en tres distintas instalaciones.

La primera de ellas tenía lugar en el conjunto urbano Plaza Fundadores, en cuyos edificios se llevaba a cabo durante las noches la proyección de Fundatores, un juego visual con imágenes alusivas a la fundación de la ciudad, la revolución mexicana y la independencia de México, transformando así los muros de los edificios en pantallas de relieve que otorgaban texturas asombrosas a las luces y figuras que de forma precisa se adecuaban la las dimensiones de cada recinto, destacando aún más la asombrosa arquitectura de cada uno de ellos.

Más al norte, dentro de este perímetro, tenía lugar Golden Vegetal Cathedral, muestra ubicada en la catedral potosina, dividida temáticamente en dos partes, una conformada por paisajes naturales extraídos del jardín surrealista de Edward James, en una recreación de fauna y colores que bien parecían retar a la noche y su frío, para implantar por momentos una primavera calida y exuberante que de a poco recogía el ánimo de los espectadores; la segunda proyección de esta secuencia en la catedral, se conformaba de un ensamble de corte religioso, dotado de piezas de arte sacro insertadas en fondos de destacada textura, capacees de recrear tejidos de perspectivas infinitas.

El tercer sitio que formó parte de esta Fiesta de luz, fue el Templo del Carmen, que sirvió como fondo para dar vida a Carmen Light, una expansión icnográfica basada en retablos del templo y reminiscencias de la cultura Huichol, que en su proyección daba vida a una recreación por demás viva capaz de llenar de brillo cada uno de los detalles que nutren la fachada del templo, en un juego en el que se hacia imposible identificar que lo ahí plasmado eran tan sólo imágenes de efecto pasajero.

No recuerdo haber visto algún espectáculo de esta naturaleza, en el que la arquitectura fungiera como un gran lienzo a la espera de la luz que se conjugaba con sus colores e imágenes magnificas para dar vida a un arte de gran formato. Difícil concebir esta experiencia a través de fotografías, y más complicado aún tratar de compartirla a través de las palabras, cualquier imagen,, cualquier relato resulta pequeño para resaltar la apropiada dimensión de tal muestra, que más que un proyecto merece el nombre de acontecimiento.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2010-01-27T14:56:00.005-08:00

Museo Federico Silva

Las calles del centro histórico de San Luis Potosí, enmarcan el Museo Federico Silva, recinto que además de reconocer la obra y trayectoria del escultor mexicano se ostenta desde su apertura, en el 2003, como el primer museo de escultura contemporánea en México.

Como en principio resulta natural, el inmueble nutre su espacio con 39 piezas de pequeño, mediano y gran formato del artista que de manera permanente acogen a sus visitantes. Este antiguo recinto, que data del año 1907, concede una visión casi absoluta de la historia artística del maestro Silva, quien sin duda se reconoce como uno de los escultores más sobresalientes de nuestro país tras una trayectoria que se subraya por su franqueza y talento.

Formado de manera autodidacta, Federico Silva incursionó en el mundo del arte con tal competencia y aptitud que le permitió asistir incluso al muralista David Alfaro Siqueiros, a la par que estructura sus primeros proyectos individuales en la pistura y escultura a principios de la década de los cincuentas.

De esta manera, la historia creativa de más de medio siglo de producción del artista, compila de manera tajante una premisa del autor: “El entorno geográfico e histórico es parte del espacio al que pertenece la escultura”. Así se presenta Silva, congruente con su reflexión, nutriendo su obra de rasgos estéticos que importa del México prehispánico, integrando a sus piezas carácter, y porqué no, inclinaciones de las culturas azteca, maya y olmeca, que no a modo de imitación o paráfrasis porque se trata de algo auténtico. Silva encamina su estilo muy particular bajo el arropo de un legado y pasado innegables, en el que el artista y su obra proliferan en una amalgama de impacto y emociones que cobran cuerpo en materias como el concreto, piedra policromada o el fierro cromado.

Así, en el recorrido, obras como Puerta del paraíso o Mariposa del lago, aparecen y revelan miradas rígidas y movimientos lánguidos, y por ahí más adelante, de otras salas surgen otras piezas de pequeño formato que se ofrecen dinámicas y coloridas, distinguiendo de esta forma la dispersión de un artista, de un estilo tan diverso y único, tan irrepetible como constante, lo cual no resulta poco ambicioso, al contrario, atiende la expectativa y promete la posibilidad de saciarla en su sitio, el Museo Federico Silva, que comparte no únicamente la obra del maestro, sino también integra diversas muestras temporales relacionadas con la escultura contemporánea del mundo.

Texto e imagen* por Carlos Alberto Ruiz
*Mariposa del lago, 1986, piedra Xaltocan. Federico Silva.

2010-01-20T19:38:00.004-08:00

Pompeya y una Villa Romana

El Museo Nacional de Antropología e Historia, destacando su cualidad privilegiada de espacio para la historia del hombre y su aparato social, actualmente arropa una esplendida muestra conformada por 101 piezas que narran y comparten la opulenta cotidianidad de la aristocracia romana. Pompeya y una Villa Romana. Arte y cultura alrededor de la bahía de Nápoles, es el título que recibe esta exhibición que regala a sus asistentes la presencia de piezas y objetos que datan de los siglos 1 a.C. al 1 d.C, ofreciendo un deleite estupendo capaz de trastocar la memoria.

La colección, principalmente compuesta por ornamentos, esculturas, joyas y mobiliarios es el relato material de la opulencia y estilo de vida que se desplegaba a lo largo de la zona del Mediterráneo, sitio que ocupaban las villas de descanso de los emperadores romanos y que vería su fatídico declive tras la erupción del volcán Vesubio en el año 79 d.C.

Así, con su presencia, Pompeya y una Villa Romana, estructura una imagen muy total de las villas que acogió la bahía de Nápoles, espacios llenos de sofisticación y gran vanguardia dentro de su periodo, evolución que encuentra lógica en el juego de la abundancia de la nobleza romana que hacia traer artistas del mundo para saciar de ornamentos sus sitios de descanso, y de este modo apuntalarlos como centros de su ostentación. Y el resultado de esta práctica decorativa: piezas de una calidad eminente, sin exagerar, sublimes, llenas de precisión técnica; de las que destaco de manera muy personal, y repito de manera muy personal porque en este caso no valen evaluaciones, lo pictórico y escultórico, y lo destaco por el hecho de que aún en este momento, tan sólo de recordar las piezas no encuentro todavía espacio para el asombro del desarrollo y sensibilidad de los artistas que produjeron tan faustosas piezas.

Vale destacar que esta exposición forma parte del intercambio cultural entre Italia y México, y llegó a nuestro país en reciprocidad a la exposición Teotihuacan, ciudad de los dioses, que será presentada el próximo año en el Palacio de Exposiciones, en Roma; también es importante distinguir que Pompeya y una Villa Romana se integra dentro del ciclo Grandes Civilizaciones, mismo que también ha contemplado muestras como Zares, Maravillas de la Rusia Imperial y Persia: Fragmentos del Paraíso.

Finalmente, tras la presentación queda la invitación, en este caso hacia un territorio que ofrece asombro y capacidad de reto, y que aguardará el desafío hasta el 14 de febrero.

Por Carlos Alberto Ruiz

2009-11-11T15:39:00.008-08:00

Antonio Ruiz, El Corcito.

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En el marco de su décimo quinto aniversario, el Museo Dolores Olmedo regala una encantadora muestra que reconoce al arquitecto, escenográfo y pintor mexicano, Antonio Ruiz, El Corcito. Bajo el nombre de ¿Por qué tan chiquito pintaba el corcito?, el museo de la noria exhibe más de doscientas piezas integradas por fotografías, misivas y las más representativas obras particularmente resueltas en pequeño formato, que destacan el natural sentido crítico que el artista mantuvo ante el muralismo.

Como subrayan las cédulas introductorias de cada una de las salas que conforman esta presentación, la propuesta temática de El corcito se nutre de una percepción nacionalista singular, consecuencia de la integración del artista en distintos ámbitos como el cinematográfico, teatral y académico, del cual se desprende su vínculo con escuelas de educación básica, y en cuyas imágenes puede apreciarse los distinto proyectos que dirigió el pintor involucrando a sus estudiantes en actividades multidisciplinarias, experiencias que sin duda marcaron la visión y percepción del artista, que en su obra no duda en reconocer la identidad nacional y sumar a sus lienzos vivos colores y escenarios contradictorios en donde cabe el reconocimiento de lo bello de su nación y la crítica acida hacia la desigualdad social.

En un contexto pictóricamente encabezado por el trabajo y discurso de Los Tres Grandes (Orozco, Rivera y Siqueiros), Antonio Ruiz fue capaz de hacer lo propio contribuyendo con una obra sólida y honesta de fondo que encontró prosperidad en el caballete y el pequeño formato, y que ahora, a cuarenta y cinco años de su fallecimiento topa con reconocimiento y una historia apropia dentro del marco de la pintura mexicana, resolviendo con delicadeza que la expresión se encuentra más allá de las dimensiones.

¿Por qué tan chiquito pintaba el corcito?, además de su atractivo contenido invita también al deleite que siempre ofrece el visitar la que fuera casa de de Doña Dolores Olmedo, un espacio privilegiado por su condición y naturaleza que celebra a México, su arte y cultura.

Lamentablemente, quedan pocos días para disfrutar de esta colección que abandonará este recinto el próximo 15 de noviembre, sin embargo, la invitación esta hecha y lo que brinda merece no ser ignorado.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: Desfile cívico escolar, 1936. Óleo y temple sobre tela. Antonio Ruiz

2009-09-22T12:14:00.004-07:00

Palabras de tercer aniversario

Siempre me representa una gran emoción aparecerme por aquí y distinguir todo lo que se puede compartir a través de la palabra. A la par, la vida de este espacio que hoy celebra su tercer aniversario, me regala motivos y recuerdos que se revelan como espejos de un pasado muy inmediato que de vez en vez refresca con sus recuerdos. Así, en un laberinto de memorias se aparece el presente, en el que encuentro nuevas razones para compartir y regalar en cada entrada.

Debo confesar que últimamente lo que aquí se comenta forma parte de una serie de experiencias y vivencias compartidas, que en el diálogo y la discusión han encontrado sus distintos caminos formando un juego que nutre la percepción individual. En este sentido, la posibilidad de la compañía representa una oportunidad para la amplificación de la apreciación y la oportunidad de robar al otro emociones generadas a partir de su propia visión.

Supongo que esto ha hecho del compartir, la intención y sentimiento más trascendente del todo, no únicamente de este sitio que hoy llega a su tercer aniversario, sino del camino del todo lo que veo, todo lo que digo, todo lo que siento.

De tal modo, que sea un pretexto esta fecha para invitar a salir las emociones y compartir, compartir, compartir.

¡Salud! Y gracias por visitar este espacio.

Por Carlos Alberto Ruiz

2009-09-15T14:44:00.008-07:00

Te pareces tanto a mí

“Una imagen congelada en el tiempo. El retratado permanecerá siempre de la misma edad, con la misma apariencia, reflejando hábitos, costumbres y modas.” Así abre el texto introductorio de Te pareces tanto a mí, muestra temporal presentada por el Museo del Estanquillo integrada por una serie de retratos que entregan cuenta de un registro icónico de la historia de la sociedad mexicana. Piezas, que más allá de su condición de retratos revelan secretos de un pasado y su contexto.

En su desarrollo, la exhibición reconoce también a la litografía, invitándola a dar detalle de aquellos que bajo las condiciones temporales jamás pudieron ser retratados, más pudieron integrar su imagen al acervo icnográfico de la memoria nacional. De este modo, la exhibición va cumpliendo su instrucción regalando los referentes gráficos de caudillos y demás personajes de la historia política de México, recordándolos bien en la fotografía, la caricatura e incluso en técnicas mixtas, como es el caso de Benito Juárez, que aparece en unas serie de piezas de la autoria del artista oaxaqueño Francisco Toledo, en las que la plástica ofrece su posibilidad de herramienta de registro histórico e interpretación social.

Y así como aparecen los de poderosos y los de los hombres de nuestra historia, también aparecen los retratos más reveladores, aquellos de los ciudadanos comunes del viejo México, que en una extensa serie abren la máquina del tiempo y saltando al pasado nos permiten distinguir expresiones y reconocer una serie de prácticas sociales en cada una de las imágenes, donde el retrato a los difuntos resulta la más reveladora.

El juego de los fotobotones y las fotoesculturas anota una lista de habitaciones y prendas que sin duda los arroparon, integrando al valor emocional por el retratado, la posibilidad decorativa y práctica de su época; analogía valiosa y de un referente incluso conmovedor que buscando su homónimo en nuestro tiempo jamás lo hallaría en sitios electrónicos o redes sociales.

Te pareces tanto a mí, se busca en la memoria a la vez que se permite provocar al futuro retándolo con una eterna permanencia y una emotividad colectiva, y a paso que no es breve transforma la cotidianidad en asombrosa maestría de vida, de recuerdo, de arte.

Por Carlos Alberto Ruiz

2009-09-03T19:24:00.006-07:00

Fabrica la Aurora

Una esencia ambiental resuelta a base de apaciguados paisajes, además de un aire multicultural que se hace evidente al transitar sus calles, pueden ser las razones por las que a lo largo de su historia más contemporánea, San Miguel de Allende, se ha convertido en refugio creativo de buen número de artistas plásticos, ubicándolo como uno de los espacios privilegiados para la proliferación de galerías.

De este modo, el paso por las pequeñas calles de San Miguel puede convertirse en un camino de paradas continuas, cuyas pausas van definiéndose por vitrinas atrayentes que invitan al reconocimiento de la obras que son exhibidas. Sin embargo, dentro de esta extensión de propuestas destaca la Fabrica la Aurora Centro de Arte y Diseño, un espacio industrial que data del año 1902 y que hasta 1991 albergó a una de las fabricas textiles más importantes de México, encontrando su nuevo destino en el 2001 al trasformarse en un sitio que alberga galerías, tiendas de mobiliario y objetos decorativos, además de estudios y restaurantes.

De esta manera, la Aurora ofrece un área mágica y cautivadora, que conserva la esencia de su arquitectura original de nave industrial, con decorados en cantera y puertas de hierro forjado que poco han cedido a la instalación de espacios más funcionales para su nueva aplicación de centro de relación y producción artística, tanto de creadores de gran reconocimiento y trayectoria como de noveles.

Así, en ciertos rincones que aún conservan la maquinaria y turbinas, conviven ahora talleres artísticos y sitios perfectos para recibir a un visitante que bien puede encontrar en la Fabrica la Aurora, un paseo de deleite y apreciación, y por qué no, de ambición por hacer propias las obras que se van revelando unas tras otras; y por supuesto en sus cafés tropezará con el lugar oportuno para aterrizar la conversación y debate mientras se disfruta la compañía.

El término de feria de arte permanente es la definición más cercana, aunque no más certera para la Aurora, que sin duda es más allá de eso. Sin embargo, el lanzar la invitación hasta este extraordinario lugar orilla a intentar definir algo que solo en esta fabrica puede ser interpretado y vivido.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2009-09-01T18:34:00.005-07:00

Tanto ha pasado
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Tanto ha pasado, que hoy que regreso aquí, miro con cierta tristeza y reproche la fecha del último post, sin embargo, por otro lado recuerdo todo lo que han significado estas semanas en mi vida, y sin justificación, distingo la compleja transformación de mi nuevo estado a la vez que saboreo este periodo, no de ocio, de una intensa integración mejor dicho.

A la par, este lapso me ha otorgado espacios para la reflexión y el regalo de muchas ideas, que sin evaluaciones de buenas o malas, algunas ya se desprenden hacia su propio camino, y eso me entusiasma, me dice que estoy trabajando. Por otro lado, hubiese jurado que no me encontraba cansado, después de este par de meses eufóricos, este día una siesta de tres horas me robó la tarde, lo sé, entiendo que es un exceso, pero supongo que fue la fatiga que encontró el espacio que necesitaba, y así como me reproché tanto tiempo de sueño a mitad del día, tras la relajación, ya con todo el entusiasmo me pregunto: ¿Ahora qué sigue?

Por Carlos Alberto Ruiz

2009-05-20T17:39:00.006-07:00

Delirios de Razón
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Muchas de las transformaciones sociales de nuestro tiempo afianzan su rumbo en las nuevas tecnologías, que de algún modo han venido tornando las prácticas y muestras artísticas adoptando novedosos modos en su producción y exhibición. Estas prácticas, principalmente realizadas por gente joven, se han cristalizado en nuevos estilos de vida donde cabe la interacción social, la manipulación de gadgets, pero sobre todo, el consumo. Irónicamente, acomodándose en este último rubro, el mercado ha desarrollado de una manera más latente su integración con el arte, reuniendo de esta forma estereotipos y formas de vida que constituyen grandes posibilidades de venta. Así, la Ciudad de México viene absorbiendo de un tiempo a la fecha grandes oportunidades de ser anfitriona al recibir en sus salas y museos el trabajo de grandes artistas plásticos de importancia internacional, por supuesto, siendo esto posible en mucho, tras el patrocinio de buen número de marcas que se integran a estos proyectos.

De esta manera, desde el pasado mes de febrero, arribó al museo de San Ildefonso, Delirios de Razón, muestra que viene auspiciada por varios consorcios y engloba 64 trabajos del fotógrafo anglosajón David LaChapelle, capturados entre 1995 y el 2008.

Al constituirse esta amalgama de arte y mercadotecnia, el resultado deviene en una exposición que ha gozado de una extensa promoción, lo que favorece en muchos sentidos. Naturalmente los grandes escaparates abren la curiosidad, de esta forma nos encontramos con salas abarrotadas, que provocan la buena costumbre de una asistencia cada vez más nutrida a las salas de exhibición.

Por otro lado, el contenido aterrizado de Delirios de Razón, materializa una visión de crudeza a través de formas que a primera vista sugieren gran candidez. A partir de escenas que gozan de un gran colorido, LaChapelle estructura una disertación de encuentros que enfrentan una tortuosa moralidad. Sus piezas cobran valía en la favorecedora producción que las respalda, además de ser personificadas por estrellas del rock y del mundo de modelaje, del mismo modo que en ocasiones ciudadanos comunes se integran a las vistas del artista.

La trayectoria de David LaChapelle, ha mantenido un discurso bien afianzado, asintiéndose como una probabilidad de conciencia hacia el reconocimiento de lo atroz. Sus caminos se afianzan en retazos de religiosidad y humanismo, para así, acaso estructurar un escenario capaz de despertar la sensibilidad del espectador. Todo esto, aunado a la extensa experiencia de LaChapelle en la publicidad, en el terreno editorial y el video, abren de expectativas una muestra que obliga visita y se mantendrá en la Ciudad de México hasta el mes de junio.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: Jesus is my homeboy por David Lachapelle.

2009-05-03T07:56:00.004-07:00

Del concepto de libertad
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En el hartazgo del encierro y casi clausura de la ciudad, identifiqué algo revelador para mí, distinguí mi concepto de libertad. Y en él pude encontrar que la libertad la encuentro principalmente al descubrirme transitado por algún sitio.

Ayer, como un relámpago, me llegó un recuerdo en el que aparezco caminando con gran tranquilidad; el sitio y la ciudad es lo de menos, pero en ese vagabundeo solitario reconozco una inmensa sensación de libertad. El clima del momento era muy favorecedor, muy fresco, con el sol dispuesto apara el atardecer; y me miro ahí, andando, con la cabeza en ejercicio de total introspección, con la vista capturando postales de un lugar que desconocía, y a la distancia alcanzo a distinguir aún más la gran libertad que me otorgó ese momento.

Supongo que el enclaustramiento me devolvió esta escena, y al hacerlo, la mente se llena de nostalgia al saberse segura de que tal no fue un invento, al contrario, fue tan real como la vida. A esto, el cuerpo y la conciencia se llenan de desesperación, exigen repetir la experiencia de inmediato, sin embargo, es imposible, las emociones jamás se preparan, su valor está en la espontaneidad, su situación es la sorpresa.

A la par este pensamiento se envuelve con una conversación también del día de ayer, en la que el futuro apareció para retar. Afortunadamente, cuando la complicidad existe el destino regala flexibilidad, e incluso hace creer que cumple caprichos, siempre tras la consideración de que el verdadero y autentico caprichoso es él.

Yo ya quiero ver el futuro y por supuesto quiero más regalos de libertad, quiero llenarme la mente de otros caminos andados, de postales de pasos ensimismados, de charlas solitarias y silencios en compañía. Tengo antojo de calle, y más aún, de libertad.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2009-05-01T08:22:00.003-07:00

De festejo

Las circunstancias personales son obvias, el festejo muy claro, además, los motivos sobran, pero hoy, por supuesto tenía que escribir. Así, con un panorama extraño y asombroso pasará este día, con un freno y descanso agobiante, sin embargo, éste, el que escribe, es necio, cree en la sorpresa y sabe que a quienes espera ya están ahí.

En otros asuntos, sé que debo mucho, algunos textos no han llegado a este sitio, unos por decidía, otros, porque ni ellos mismo saben que existen ya. Pero los creados sin son una deuda que será saldada, desafortunadamente tendrán que pasar algunos días para que aquí aparezcan dado que se mantienen trágicamente resguardados en mi lugar de trabajo al que espero regresar a la brevedad, ya que vale decir, con la mayor de las sinceridades: la ociosidad agota.

Y esto lleva a otros caminos, al deseo de que todo gire a la normalidad. Urge ver al país de nuevo sano, y más apremia ver la ciudad abierta. Por lo pronto, esta experiencia me permite distinguir la necesidad de movimiento. En la inactividad no encuentro motivos para transformar en palabras.

Pese a todo, se que hoy tendré una tregua, no muy ambiciosa por supuesto, pero sí capaz de regalarme un trozo lleno de bienestar. Y de antemano gracias por los buenos deseos.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen por Ian Shirley

2009-04-15T18:53:00.002-07:00

El flautista de Hamelín

Dentro del círculo de la música clásica, el flautista mexicano Horacio Franco constituye una referencia no únicamente nacional, sino de carácter y presencia internacional. A través de su música, Franco ha sabido trastocar la conciencia de un público cada vez más amplio, al mismo tiempo que ha redefinido la trascendencia de su instrumento –la flauta de pico-. En un contexto ortodoxo y anquilosado, el músico ha sido capaz de integrar una propuesta total y cuestionadora por medio de una imagen poco usual en su ámbito, acompañada de la personalidad inquieta y altruista que tanto lo ha caracterizado.

Bajo tales referencias, no asombró el anuncio de que Horacio Franco incursionaría en el teatro, en una puesta en escena obvia, casi natural para su primera irrupción en ese terreno: El flautista de Hamelín. Así fue que, en una brevísima temporada de cinco funciones ocurridas entre el 9 y el 12 de abril, la Compañía Teatralnaya vistió el escenario del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, integrando a sus filas al genial y virtuoso flautista Horacio Franco.

Basada en una adaptación del trabajo de Josephine Preston Peabody, la presentación contó la historia de Hamelín, un poblado que vive atestado de ratas hasta el día en que un misterioso flautista ofrece acabar con tal plaga a cambio de mil monedas; cerrado el trato, el forastero cumple su parte, sin embargo, la trama cobra fuerza cuando los ciudadanos de Hamelín se niegan a darle paga, ofreciendo a continuación un lío que fue capaz de llevar al espectador a la introspección para identificar las debilidades propias y colectivas.

En este marco destaca la puntual dirección de escena de Mauricio Osorio, quien fue capaz de proyectar una gran sensibilidad al construir un cuadro tan humano de gran universalidad. Vale también subrayar la habilidad de Osorio para montar el juego perfecto, en el que el actor Víctor Kruper interpretó magistralmente al flautista, a la par que Horacio Franco daba vida al alma y talento del flautista creando una dinámica precisa en la que las interpretaciones musicales de Franco construían la par perfecta a las intenciones y destreza actoral de Kruper, regalando al espectador la posibilidad de presenciar un espectáculo tan completo concebido a partir de una gran calidad.

En consecuencia, el gran regalo que resultó ser El flautista de Hamelín, se expresa como un ejercicio ambicioso de interdisciplinariedad que se reconoce con éxito, como una gran oportunidad en el sentido musical para desmitificar la rigidez de lo clásico para permitirle un mayor público; también, representa una victoria para el teatro mexicano, al permitir distinguir a partir de esta propuesta las grandes intenciones y talento de las compañías nacionales, que en el caso de Teatralnaya, demostró de sobra contar con las competencias para adoptar un recinto tan importante y hermoso como lo es el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen por Alejandro Barragán

2009-03-04T17:52:00.006-08:00

Carlos Sandoval, la transmutación de lo divino.

La expresión artística, muchas veces nutre sus posibilidades e intenciones de los aparatos sociales, que en este caso funcionan para el artista como oportunidades de riesgo, que en la resolución pueden llegar a conseguir narraciones hiperbólicas de la realidad.

Como consecuencia de esta particularidad, la historia y la práctica han vinculado de una manera muy íntima la producción artística y las bases estructurales de la religión católica, resultando en una relación tan tirante como fructuosa, en las que ambas partes finalmente alcanzan su cometido.

En este sentido, en la actualidad el trabajo de muchos creadores asienta su discurso en esta analogía, donde lo religioso refiere la interpretación del entorno. Un ejemplo de ello es la propuesta pictórica de Carlos Sandoval, quien en su precoz producción ha enfilado sus lienzos hacia un estilo que de forma apresurada va ya construyendo su individualidad.

La irrupción reciente de Sandoval en los círculos de la plástica mexicana, ha venido acompañada de una propuesta capaz de abrir curiosidades. Sus temáticas parafrasean el mundo de la moda a partir de un lazo con la divinidad. De este modo, en su serie Devotos a la Moda, se permite una reinterpretación visual de la icnografía religiosa que a manera de modernización transmuta la imagen de los hombres sagrados para adecuarlos a los cánones de belleza contemporáneos, concediendo de esta forma piezas alborotadoras que hurgan las estabilidades de la sociedades modernas, caso que repite en Virtudes, un grupo de obras cuyo origen se remite al retrato de la contraparte de los pecados capitales.

Visualmente es el retrato, en colores ocres, la base narrativa de de Carlos Sandoval, sin embargo, la presencia de textos en sus cuadros remite a la grafía como un elemento más de forma que de fondo, donde el significante cobra vida más allá de sus significado. Es decir, los mensajes son citas que el autor ha recopilado de publicaciones especializadas en la alta costura, o canciones retomadas como instrumento decorativo y no como arma de validación en su promesa, tal como sucede en su colección Chocolate.

Es así, que la mente de este joven artista mexicano asume sus primeras marchas con cierta seguridad, con la ambición que le ha permitido a ligar su siguiente proyecto con la Leyenda Dorada, el texto que reúne la hagiografía de más de 180 santos, a partir del cual Carlos Sandoval pretende una interpretación visual acorde a los patrones de la actualidad, que ya ha desprendido varios intentos que resuelven muy hábilmente su primera intención.

*Carlos Sandoval, presentará a partir del 25 de marzo su muestra La Leyenda Dorada en Casa Lamm.

Texto por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: San Narciso (Serie La Leyenda Dorada), 2009. Acrílico sobre tela, 100 x 100 cm. Carlos Sandoval.

2009-02-04T18:33:00.012-08:00

Fragmentos
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Hasta el 18 de enero, el Museo Dolores Olmedo de la Ciudad de México, ofreció una importante muestra del trabajo del escultor michoacano Javier Marín. Bajo el nombre de Fragmentos, en los jardines y habitaciones de la antigua casa de la coleccionista, se instalaron 29 piezas escultóricas y gráficas que dieron cuenta de las visiones e impulsos que han regido el sólido e inconfundible estilo de Marín a lo largo de su trayectoria.

El mensaje de este artista plástico se instala en un sitio que flota entre el erotismo y la agonía, con su trabajo alcanza una reconstrucción de lo humano donde el bronce, la resina, e incluso la incorporación de otros elementos poco habituales como el amaranto o el tabaco, ofrecen una dirección novedosa de la estética.

Fragmentos, seduce con la línea que transforma lo perturbador, que en la búsqueda de ser pronunciado se revela altamente con voz propia. Cada uno de los gestos que destacan los rostros forjados por el artista, subrayan no sólo atributos físicos, articulan incluso, mucha de la sensibilidad de la especie humana, sembrando de esta forma una nueva lingüística de la expresión. Muy evidente en la mirada de sus rostros femeninos y masculinos, que inevitablemente ceden al desconsuelo y desesperanza inundando en diversas formas el pensamiento del espectador.

Los riesgos que encuentra la muestra en lo decorativo y monumental, multiplican las posibilidades de contacto con las obras. El perfume que viste a cada una de las esculturas es por demás evidente, lo cual permite rebasar la experiencia visual, para también atrapar la atención de otros sentidos. Y pese a lo total y demandante de la experiencia, no resulta fácil encontrar respuestas a los cuestionamientos de Marín: ¿Qué tan vasta resulta la corporalidad? ¿Qué percepción y aspecto ocupa el dolor en el infinito?

Aún así, el michoacano todavía se permite confundir más la conciencia de los visitantes incluyendo algunas leyendas en sus esculturas. Sin embargo, al final, las vacilaciones parecieran quedar cerradas, encontrando conclusiones en las son siempre el asombro y la provocación los resultados evidentes de un trabajo revelador.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

Cabeza grande de mujer, 1995. Escultura en bronce 102 x 65 x 98 cms. Javier Marín.

2009-01-12T17:36:00.004-08:00

El Buen Canario

El 2008, constituyó un marco que abrió las salas de teatro a proyectos serios, ambiciosos, de amplio presupuesto, con elencos que pocas ocasiones pueden disfrutarse en los escenarios. Así, tres títulos se distinguieron dentro de las marquesinas de la Ciudad de México: 12 Hombres en Pugna, Pájaro Negro y El Buen Canario; este último, sin duda una atrayente producción que ostentó en sus créditos la dirección escénica de John Malkovich, hecho que por sí mismo abre la curiosidad sumado al sugestivo cuadro actoral integrado por Diego Luna, Daniel Gimenez Cacho, Bruno Bichir, Irene Azuela, entre otros.

Para acercarnos a la trama de El Buen Canario bien vale subrayar a su autor, Zach Helm, el mismo hombre cuya imaginación arrojó el significativo guión cinematográfico de la cinta Stranger than Fiction. Con este dato, se alcanza a distinguir que lo que se presenta en escena apunta hacia situaciones tirantes, emocionales, englobando un mensaje muy particular con respecto a la sociedad moderna del mundo occidental.

El hilo del discurso gira alrededor de la vida del escritor Jack Parker, cuyo éxito repentino resulta tan asombroso, lleno de futuro, que lo único que pareciera ensombrecerlo son las adicciones y desequilibrios padecidos por Annie, su mujer.

De este modo, en su transcurso, El Buen Canario da tiempo para los afectos, la furia, y la trasmutación psíquica. Por supuesto, todo representado con la mayor habilidad, exhibiendo lo aventajado que resulta Malkovich al explotar el carácter y la habilidad actoral de la que son capaces sus ejecutantes, que más allá de la fama acumulada a lo largo de sus trayectorias individuales, dan cuenta de un talento destacado, insistiendo de modo muy personal, en la participación de Daniel Gimenez Cacho, un hombre al que bien le viste su papel de Charlie, un editor literario visionario, dotado de un acido sentido del humor.

A la par, el trabajo de producción también se distingue, integrando decorados audaces que se solventan de proyecciones que otorgan al escenario de un encanto muy particular que lo asemeja más a una instalación de arte contemporáneo. En este sentido, el clima emotivo y físico que regalan cada uno de los actos logra envolver con gran impacto.

Sería de pésimo gusto puntualizar los momentos que componen la obra, sin embargo, sí puede referirse la experiencia particular a la que mueven sus diálogos, compartiendo la intensidad y nostalgia con la que se camina por la historia, que al final, deja la sensación de avidez por mirar en este 2009 la cartelera invadida de trabajos igual de capaces.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-12-31T17:18:00.000-08:00

Día final del 2008

Cuando mucho hay por agradecer las voces y las emociones se aglutinan intentando escapar para encontrarse con el destino que las provocó; las intenciones de gratitud se abren para manifestarse no dejando escapar aquello que se reconoce. Personalmente desconozco el balance de mis actos, prefiero ignorar la balanza de lo bueno y lo malo, sin embargo, hoy si alcanzo a distinguir un gran motivo por agradecer mi vida en este tiempo y espacio.

Pues, sirva esta brevedad y mensaje para esperar la mejor de las cotidianidades para el 2009, por supuesto, con la compañía y oportunidad para compartirla, deseando que la felicidad los alcance a todos. Gracias por visitar este espacio.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-12-26T16:17:00.006-08:00

Virsky, el espíritu de Ucrania.

Tras una gran demora que no la justifica nada, abro el espacio para comentar un gran espectáculo dancístico que se presentó durante el último fin de semana de noviembre en la Ciudad de México, se trata de Virsky, a cargo de la Compañía Nacional de Danza Ucraniana. El número, compuesto por quince piezas, recoge una mezcla de danzas tradicionales combinadas con ciertos aspectos del ballet clásico, a los que se incorpora la magia y acrobacias de más de cien bailarines en el escenario engalanados con un vestuario de más de tres mil piezas típicas.

Acompañado por una estupenda orquesta, Virsky ofrece grandes postales multicolores de las regiones ucranianas, que por sí mismas entregan amplias miradas hacia lo más íntimo de su sociedad y sus prácticas. Las danzas, en gran parte resueltas con giros, piruetas y mucha acrobacia, son capaces de alcanzar una armonía y uniformidad que entrega abanicos coloridos en escena, ostentando una sincronía perfecta.

A la distancia, aún me provoca inquietud el recuerdo de la ejecución de Povzunets, una danza cómica típica de los Cosacos, que en pocas líneas puede definirse como un derroche de habilidades y precisión técnica absoluta aderezada con voces de entusiasmo. Es extraño, pero tal júbilo que integran los bailes ucranianos, conforman un elemento mágico, difícil de pasar por alto, además de adictivo y contagioso. Sin embargo, la delicadeza también encuentra su sitio en este espectáculo, muestra de ello es Los Diseños de Volynsk, acto conformado por un grupo femenino, que ataviado con trajes majestosos interpreta un pomposo modelo de movimientos delicados a la vez de conmovedores.

A diferencia de lo que sucede en un concierto, en la danza no es común la aparición del encore al terminar la muestra, pero muy afortunadamente, la Compañía Nacional de Danza Ucraniana se lo permitió y de qué manera. Al cierre, tras los aplausos, rebozos y sombreros de charro llegaron al escenario, al tiempo que los bailarines ejecutaban el jarabe tapatío mientras un poco nutrido público en el Auditoria Nacional de la Ciudad de México se estremecía de euforia y agradecimiento por tan hermoso regalo. El mirar a los integrantes de Virsky ejecutando el baile jalisciense, aumenta la admiración que ya desde siempre es grande por las danzas nacionales, mas la insospechada posibilidad de que aquello sucediera fue capaz de entregarnos a una asombrosa vulnerabilidad.

Y ya en un camino todavía más personal, cabe otra revelación, la calidad de la compañía con la que compartí tal experiencia. Hacia tiempo que mi asistencia a la danza venia dándose en circunstancias distintas, pero esta vez, tuve el privilegio de la complicidad, lo cual engrandece la experiencia dado que permite la connivencia y la promesa de charlas infinitas, ofreciendo la posibilidad de traer de vuelta los impresionantes saltos ucranianos para comentarlos una y otra vez con la oportunidad de regresar a la exaltación para encontrar en la mirada del otro el entusiasmo propio.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-10-31T16:00:00.002-08:00

Octubre

Comúnmente, los actos y experiencias se acumulan de algún modo delineando la personalidad, definiendo en gran medida nuestra percepción del futuro y del presente. Así, los éxitos abren la ventana del optimismo en la medida que el fracaso inunda de temor y orilla al aislamiento. Sin embargo, la vida exige nuestra integración y acción, siendo éste el único modo que permite saltar de un estado a otro.

Desde un principio, el tema de la transformación ha sido una constante en los textos que aquí se han compartido, y la explicación más lógica que encuentro al respecto apunta hacia cierta debilidad por lo novedoso y la necesidad de integrarme a entornos distintos que me acojan y me exijan.

De tal modo, el cambio de octubre es medular, dado que viene a otorgar sentido a la vez que promete resolver dudas que insistían desde el pasado, e incluso, salda muchos aspectos de innecesaria individualidad.

Al respecto, las expectativas se abren y se alcanza a identificar el pasado propio como una vida fragmentada que no se llega reconocer por completo, señalando hacia un sitio donde los riesgos reconstruyen el significado de la vida y redireccionan las peticiones que se le habían hecho al destino.

Finalmente, las experiencias nos convierten en individuos más ambiciosos, de indagaciones inalcanzables y caprichosas, sin embargo, cuando lo buscado existe, y no sólo eso, se revela frente a nosotros, la emoción arrebata con gran avidez por sentir y ser sentidos, las manos se llenan de fuerza para empapar de poesía los muros y la vida se alista para saltar a su precipicio. Es ahí, cuando llega el tiempo donde los ciclos se cumplen y las posibilidades aparecen.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-09-22T14:37:00.005-07:00

Palabras de segundo aniversario

Los últimos meses sostuve una desgastante batalla contra la antigua plantilla de este blog, que debido a una falla desconocida jugaba la mala broma de ocultar las entradas y sus textos.

Tras la victoria de la tecnología, que jamás me permitió reparar los daños, resultó cierto deterioro de mi relación con este espacio, soy sincero, el desánimo me absorbía al imaginar qué sentido tenía escribir textos que definitivamente no se mostraban en el monitor y por tanto no podían ser leídos.

Tal escenario me planteó el compromiso inmediato de buscar una nueva plantilla, la cual no únicamente significara un paliativo para los problemas experimentados, sino que también me pareciera atractiva y visualmente compatible con lo que aquí se comparte.

Después de largas horas de paciencia y navegación apareció el esquema que ahora se ve en pantalla. Sin embargo, la ruptura con el anterior trajo consigo otras inquietudes que trazaron nuevos planteamientos de congruencia y legitimidad, en los que encuentro distintas razones por las cuales este espacio ya no puede identificarse con su título anterior.

En este pensamiento, en el que no entiendo qué tanto el tiempo puede hacer madurar pero sí cuánto transforma, distingo cambios personales y de contexto desde aquel septiembre del 2006 cuando abrió, lo que exige como consecuencia lógica una transformación que mantiene la esencia, mas asume a través del cambio el paso del tiempo.

A propósito del nuevo titulo, Primera Palabra, vale decir a modo de justificación que alude a la instigación, a distinguir cada texto aquí presentado como un estimulo que pueda provocar acciones, reflexiones y muchas otras opiniones. Es decir, asumir a cada post como la Primera Palabra de “algo” que continuara algún visitante.

Y qué mejor manera de inaugurar la nueva plantilla y nombre que la coincidente fecha con el segundo aniversario, para de este modo agradecer las lecturas y comentarios de este sitio en el que todos siempre serán bienvenidos.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-09-19T19:30:00.009-07:00

Ignacio López Tarso, un hombre en pugna.

A finales de la década de los noventas, cuando el cineasta mexicano Arturo Ripstein anunció que llevaría al cine la novela de Gabriel García Márquez, El Coronel no tiene quien le escriba, muchas voces apuntaban como serio candidato a interpretar el papel del Coronel, al actor mexicano Ignacio López Tarso. Finalmente, la cinta se realizó con resultados magníficos, mas López Tarso no fue incluido en el proyecto, siendo Fernando Luján, el encargado de encarnar al mítico personaje, resolviéndolo de forma excepcional. Sin embargo, de manera muy particular, aún me cuestionó cómo hubiese vestido Tarso al viejo Coronel con Gallo en brazos.

Como para muchos otros mexicanos, mi imagen de Ignacio López Tarso se relaciona de manera inmediata con su actuación en la cinta Macario, aquella de 1959, basada en la novela de Bruno Traven. Su participación en esta película no es menos que estupenda; a lo largo de mi vida he visto esta cinta una decena de veces y en cada ocasión he quedado asombrado por la capacidad interpretativa del actor. Por supuesto, Macario, es tan sólo un proyecto de muchos en los que he disfrutado de su intervención, recuerdo haberlo visto también en la versión cinematográfica de Pedro Páramo y en telenovelas, e indudablemente lo reconozco como uno de los histriones cuyo trabajo más admiro.

Con buena fortuna, la cartelera teatral de la Ciudad de México, ofrece actualmente la puesta 12 Hombres en Pugna, proyecto que mantiene en escena a Don Ignacio, que presunción aparte, tuve oportunidad de gozar hace un par de semanas. La historia, original de Reginal Rose, se ubica en el Nueva York de 1957, dentro de una sala de jurados de la corte de justicia, en la que 12 hombres tendrán que determinar un veredicto entorno a un caso de asesinato. La temática, de antemano se antoja seductora y en realidad así es, la trama se desarrolla en una larga escena que integra feroces guerras actorales entre los que conforman el elenco, paseando los ánimos de la intriga a la comedia y de vuelta al drama.

El personaje que López Tarso, juega un papel medular en la historia, es él el instrumento que sostiene el nudo y desarrollo de la historia, asentado en diálogos inteligentes que pronuncia recibiendo buena replica de sus compañeros. Su desenvolvimiento en escena, sobra decir, es absolutol y dotado de naturalidad, siendo capaz de crear un lazo firme de complicidad con los espectadores al margen del trabajo de sus compañeros, a quienes supongo, el asunto más que inspirar rivalidades les provoca respeto.

La entereza actoral y física que guarda el actor a sus arriba de ochenta años es admirable, y es ésta una magnifica oportunidad para deleitarse con su trabajo en presencia a través del teatro, que si bien ya con este hecho sobran las razones para augurar un buen espectáculo, 12 Hombres en Pugna es también un buen pretexto confrontar la moral y juicios particulares.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-09-14T12:22:00.007-07:00

Don Quijote

Continuando el festejo de su 45° Aniversario, la compañía nacional de danza dirigida por Dariusz Blajer, presentó durante el último fin de semana de agosto en el Teatro de la Ciudad una breve temporada del ballet Don Quijote. Basado en el capitulo XIX del segundo libro de la novela de Miguel de Cervantes, El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, el espectáculo ubica su relato en uno de los deambulares del Quijote y su escudero Sancho Panza, en el que son testigos de las desavenencias de una joven pareja de enamorados –Kitri y Basilio–, sin embargo, la vulnerabilidad del hidalgo ante el sentimentalismo lo inmiscuye en el asunto al grado tal de ayudarlos en su fuga.

Como en toda obra clásica romántica, el Quijote integra a las parejas amorosas la tragedia del obstáculo, en este caso, Lorenzo, padre de Kitri, pretende hacerla casar con el viejo y rico Gamache, un ser tan ridículamente patético por el cual la joven no puede sentir más que natural rechazo. Siendo tal la situación que este ballet traduce a movimientos, trasformando las ideas concebidas por Cervantes hacia un lenguaje corporal intenso, que reúne incluso uno de los episodios más gloriosos del hombre de la mancha: la famosa lucha que sostiene contra los molinos de viento.

La base literaria confiere al ballet innumerables posibilidades narrativas, tanto dramáticas como de fondo lógico, que en el caso de Don Quijote se incrementan de manera muy natural por la riqueza misma de esta gran novela. La trascendencia de la historia de Cervantes ha quedado suscrita de forma unánime y universal, a cuatrocientos años de su creación, su vigencia no merma, al contrario, permanece sin ceder su posición de máxima obra literaria del idioma español, siendo esta posición de totalidad la pieza clave que nutre y favorece su transición a la danza.

Retomado a diez años de su primer montaje por parte de la Compañía Nacional de Danza, este espectáculo traza la coreografía de Caroline Llorca sobre la base original de Marius Petipa, resultando en una composición sutil, viva, de movimientos quizá no tan acrobáticos mas de una precisión estricta, además de ser visualmente atractiva.

Sin embargo, algo que particularmente destaco esta ocasión es lo colorido del vestuario y ambiente que otorgan en conjunto un fuerte dinamismo, claro, consecuencia del rico contexto que permite la novela, hecho que hace posible integrar ambientes festivos que toman formas multicolores en el escenario, dando la apariencia de una gran lienzo vivo y en movimiento.

La versión de Don Quijote de la Compañía Nacional de Danza, apuesta por una recreación fastuosa en términos de ejecución al igual que resulta visualmente cautivadora, construyendo una producción destacada incluso dentro de otros montajes de la compañía. Indudablemente en próximo se abrirán nuevas fechas en las que se podrá gozar esta propuesta dancística, bien vale la pena hacer caso a la curiosidad y no perder la oportunidad de asegurar una butaca.

Por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: Guillermo Galindo

2008-09-03T18:58:00.011-07:00

De Leopardo al Sol e indiscreciones

Hace algunos días mantenía cierta discusión con un grupo de personas en torno a la novela Leopardo al Sol, de la autoria de la colombiana Laura Restrepo. A grandes rasgos, esta novela comparte la historia de dos familias poderosas del narcotráfico que franquean una rivalidad perpetua. En su desarrollo, la historia confronta las debilidades emocionales de sus protagonistas, incorporando hábiles retratos que la autora se encarga de estructurar de manera total y sobresaliente.

Es así, que en los hombres y mujeres de la trama se reflejan varios de los clichés del temperamento: el valeroso, el conquistador, el vulnerable, el ostentoso; por el lado femenino, aparece la matriarca sabia y consejera, la mujer superficial, la candida; es decir, una basta diversidad de personalidades que durante la lectura inevitablemente desencadenan la tipificación y afición por uno en particular.

De este modo, al encaminarse la charla del grupo ruinado en torno a Leopardo al Sol, sin quererlo iniciamos un infantil juego en el que cada dada uno fue distinguiendo al personaje se su preferencia a modo de álter ego, al tiempo que elegía a un personaje del sexo opuesto por el que sintiera atracción.

En el intento de defender la ventajas de los protagonistas preferidos por cada uno, la conversación se transformó en una recia discusión digna de temas políticos, las voces subían de tono, más por entusiasmo que por agresión, lo cual produjo que alguien que se encontraba cercano a lo que ocurría se integrase a la charla. La suerte de este nuevo integrante era que él desconocía la novela y los individuos a quienes hacíamos referencia, no obstante, éste mantuvo tal interés, que en el transcurso, con base en las descripciones físicas y psicológicas fue acrecentando su curiosidad al grado de identificarse con un par de los implicados en el Leopardo.

A mí, el ejercicio me enloqueció demasiado. Habitualmente no funciono en charlas que involucran a más de cuatro, a menos que los que participan me sean muy próximos, sin embargo, las condiciones de esta ocasión me llevaron hacia esta práctica que me resulta tan inusual. Tal vez en mucho se deba a que el tema por el que deambulamos me atrae, pero más que eso creo que se debió a la intensidad de la dinámica, que por momentos despertó una euforia de corredores bursátiles.

Por ello, la anécdota me queda para la memoria. Intencionalmente me guardo el nombre de los involucrados, puesto que en alguna medida me siento como un delator por hacer público ese momento. Pese a ello, me permito otra indiscreción, todavía hoy, me sigue provocando una sonrisa el recordar al integrante “colado” decir respecto a un personaje de la novela: Pues ese Nando es el más cabrón.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-07-02T15:36:00.012-07:00

La Madre Pródiga

Una de las exhibiciones pictóricas más atrayentes que ha albergado esta ciudad en los últimos tiempos ha cerrado su presentación el pasado domingo. Se trata de La Madre Pródiga, muestra del mexicano Daniel Lezama, construida por sesenta obras que encierran diez años en los que el artista ha trabajado la interpretación de muchos de los símbolos que conforman las bases culturales de la sociedad mexicana.

A través de su trabajo, Lezama compone una aguda búsqueda hacia la identidad de nuestra nación en un retrato de la realidad que juega con el mestizaje, trayendo al frente elementos innegablemente trascendentes en nuestra formación social.

La presencia de figuras como Benito Juárez, Juan Gabriel, lucifer, la Virgen de Guadalupe e incluso Juan Diego, cambian totalmente de sentido, sin llegar a perder esencia, en los trabajos del artista. Apuntalando su discurso hacia un cotejo de los mitos, resuelve que las tragedias no están en la apariencia sino en el trasfondo, como una consecuencia de la festividad, vejación y dependencia de la que somos objeto.

Aludiendo directamente a una sexualidad tirante, el artista cierra el círculo de su mensaje delineando la tragedia con actos que sugieren imperfección y un amor inmenso. No puede caber más desgracia en los adultos y adolescentes desnudos que pasean en las obras de Lezama, cuando su vulnerabilidad ha traspasado los límites del deseo para alcanzar la precariedad de la conciencia.

Evidentemente, el intento por la composición de la identidad nacional no podrá nunca llegar a ser total, ni en lo literario, lo fílmico y por supuesto lo pictórico. El psiquis social mexicano tan complejo como voluble, antoja inconcebible una disertación unánime de lo que constituye. Sin embargo, la aportación de Daniel Lezama, integra mayores posibilidades de respuesta y cuestionamiento, su trabajo irónicamente tambalea las seguridades de la modernidad para entregarnos a las incertidumbres del pasado, del presente.

Las lecturas de La Madre Pródiga son innumerables, su percepción inicia desde la individualidad y apunta hacia el entendimiento del periplo social que conformamos. Sus escenas tan reveladoras, no alcanzan menos que orientación y una cualidad estética genuina.

Por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: La noche del diablo, 2007. Óleo sobre lino, 225 x 300 cm. Daniel Lezama

www.lamadreprodiga.com

2008-06-24T16:12:00.002-07:00

Inconvenientes Técnicos

Desafortunadamente este espacio presenta problemas técnicos que impiden la lectura regular de los textos. Por supuesto, se trata de un asunto que deseo resolver a la mayor brevedad. Por el momento, no me queda más que ofrecer una disculpa por el inconveniente y solicitar toda su paciencia.

Carlos Alberto Ruiz

2008-06-06T18:28:00.007-07:00

El Jardín del Tartamudo

Del 30 de mayo al 1 de junio, el Teatro de la Danza de la Ciudad de México, hospedó las funciones de estreno de El Jardín del Tartamudo, el más reciente proyecto de La Manga Video y Danza Co., el conjunto artístico dirigido por Gabriela Medina y Mario Villa.

Lo bestial y oscuro, como natural consecuencia de la belleza, es el fundamento discursivo que expone El Jardín del Tartamudo, un trabajo multidisciplinar apuntalado en la dirección coreográfica de Medina y las propuestas visuales de Villa, inspirado en las danzas de cortejo de los flamencos rosados, la percepción pueril de un pequeño y la aproximación literaria al texto de Yukio Mishima, El templo dorado. Este trabajo antecedido por Irritante y El Hershey man, constituye la tercera entrega de una serie de proyectos con los que La manga explora los terrenos de lo bello y violento como fundamentos de la condición humana.

Esta vez, el resultado es un espectáculo que ostenta una intensidad dancísitica sobresaliente, que explota profundamente las capacidades interpretativas de los bailarines en escena: Miguel Mancilla, Marcela Aguilar, Evelia Kochen, Mario Alva, Mariana Granados, Marlú Retana y Esteban Inzúa, quienes más que prometer movimiento, ofrecen un cúmulo de emociones capaces de inclinar persistentemente del terror a la sonrisa el ánimo del público.

La historia que nos cuenta El Jardín del Tartamudo es sencilla, tan espontánea como las sonrisas infantiles, tan súbita como aquellas tribulaciones que arriban sin la menor advertencia. El tartamudo existe, no sólo en la mirada de Gabriela Medina, quien lo instala en un paraíso de flores, con una sobreprotección tal que lo deja a merced de sus ángeles, de sus demonios, de su propia rebeldía en una vulnerabilidad penetrante, donde finalmente el personaje afrontará una reclusión perpetua hermosamente desoladora.

Al tiempo de la ejecución, Mario Villa completa el marco sutilmente con imágenes agudas que de a poco dan tregua a la angustia regalándonos visiones de una franqueza conmovedora, donde flores nuevas brotan en un juego intermitente que se funde en un cuadro musical de Carlo Nicolau.

Si algo deja claro El Jardín del Tartamudo, es que para La Manga Video y Danza Co., la candidez no tiene lugar: su trabajo ostenta un manifiesto de compromiso e inquietud que en mucho se dirige hacia los cuestionamientos de la ética y la moral bajo la perspectiva crítica de un arte que mucho tiene por sugerir.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-05-22T16:51:00.010-07:00

A propósito de Factory Girl

Por estos días se proyecta en diferentes salas de la ciudad de México, Factory Girl –Fábrica de sueños-, una cinta que bajo la dirección de George Hickenlooper, narra el turno en el que la modelo y actriz Edie Sedgwick sirvió como musa al artista norteamerericano Andy Warhol. Al respecto de este filme las consideraciones para la historia y sus aspectos visuales destacan de forma casi natural, la caracterización de Warhol en pantalla: muy significativa; sólo me salpica de manera desfavorable el juicio que se le otorga al artista en este cuento, pero bien, de ser el caso, ya cada uno emitirá su evaluación hacia Andy y obvio, hacia Factory Girl.

Particularmente me interesa el trabajo de Andy Warhol, así que es claro mi entusiasmo a propósito de esta película, ya por las emociones que mueve, ya por los recuerdos que me devolvió; siendo el más intenso, el de mi contacto con la obra del artista.

En el verano del 2006 asistí a la muestra Andy Warhol Supernova, Stars, Deaths and Disasters, 1962-1965, presentada por Art Gallery of Ontario. Dicha exhibición, bajo la curaduría del director cinematográfico David Cronenberg, se componía de obras grafica y fílmicas, del las que subrayo originales tan trascendentes para el arte contemporáneo como Elvis I & II, Jackie Frieze y Five Deaths.

Por el lado cinematográfico, Supernova exhibía, además de otras cintas, una serie de screen tests rodados por el artista. Entre las celebridades que aparecían en dichas pruebas, puedo rescatar ahora a Edie Sedgwick y Bob Dylan; lo curioso es que el rodaje de ambos tests se encuentra escenificado en Factory Girl –el de Dylan, maquillado bajo el nombre de Billy Quinn-; por tanto, es indiscutible el efecto que pudieron provocarme tales secuencias.

Por supuesto me agrada mucho que una película pueda construir lazos tan fuertes entre el placer del cine y los recuerdos de vida. Me asombra que a través de un film pueda girarme hacia la ventana del pasado y descubrirme deambulando por los pasillos de la galería y reconocer qué tanto o nada me he transformado desde ese lapso. Es ahí, cuando descubro que las nuevas experiencias son tan sólo un pretexto para lo anecdótico.

Por Carlos Alberto Ruiz
Imagen tomada de Edie Sedgwick screen test, Andy Warhol, 1965

2008-05-11T21:39:00.007-07:00

Extravío

Está mal que lo suelte así porque sí, pero hace apenas unos días estuve de cumpleaños. Y bien, el asunto en esencia no es ese, pero claro que guarda mucho de relación. Como primera intención pretendía celebrarme escribiendo algo para este sitio, pero por distintos motivos –ninguno en específico-, que se me escurren las horas, los días, me enfrentó la FEMACO y es hasta hoy que la oportunidad me encuentra.

En un principio, de forma tácita tuve el plan de encaminar muchos textos hacia la etiqueta de la cotidianidad, sin embargo, ésta es tan ligera que se me escapa antes de que alcance a retratarla. Por supuesto que a la cotidianidad a la que me refiero no es a la de actos vulgares como el cepillado de dientes, transportarse, decir buenos días a quien no conoces, etcétera. Creo que cada uno mantiene dentro de sus prácticas de vida cosas tan agradables y valiosas, que pese a ser referentes de la personalidad y/o de su actividad constituyen algo muy trascendente. Supongo que las reuniones de café de muchas chicas, que mantienen incluso un día específico para realizarlas, componen un acto de su cotidianidad, y en ese sentido es a lo que aludo con este término, a experiencias cuya presencia y contacto nos permiten integrar a nuestra vida tiempos para la felicidad.

Y en el camino de esta definición chiflada que acabo de permitirme, es que me pierdo. Creo que a veces esa cotidianidad hedonista no alcanza para veinticuatro horas, pese al cliché, el tiempo es cruel: me debo muchos textos. Es ahí cuando siento como si caminase con un pequeño bolso, en el que a mi paso voy guardando los temas o ideas que quiero tocar, mas resulta que no alcanzo la disciplina que necesito, pero de ambicioso tengo mucho, termino por llenar la maleta de temas que después se van reemplazando o que finalmente caducan y no se logran. Ejemplo claro del extravío, es este post, que sin duda le robó tiempo y espacio a otro que al menos en tema no fuera tan, pero tan personal.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-05-06T19:26:00.006-07:00

FEMACO
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Ana Elena Mallet, sostiene que más que nunca “…el arte actual está ligado a la moda y a los caprichos del mercado.” Tal suerte, constituye un aparato que ha instalado los interiores y exteriores en las estructuras del mercado del arte y su entorno. En este sentido, el abanico de propuestas no posee una extensión que lo acerque acaso hacia perfiles sociales, por tanto, las posibilidades de interpretación son mínimas y sin mayores exigencias.

Por supuesto, tal panorama, comenta Mallet, es un retrato global con lo que respecta a la producción artística y su mercado, siendo éste el paisaje que indican las ferias de arte en el mundo.

A este respecto, es importante comentar lo que a México corresponde. Del 23 al 27 de abril, se llevó a cabo en el Distrito Federal, la Feria México Arte Contemporáneo (FEMACO), un evento que en los últimos años se ha solidificado como el más destacado de su género en nuestro país, que este año, con la presencia de alrededor de ochenta galerías internacionales, estructuró una vitrina destacada para la comercialización de propuestas artísticas.

Paralelamente a su función comercial, la FEMACO, también hace las veces de un termómetro que indica las condiciones y las producciones del arte en la actualidad, ya que en mucho, su tarea apunta hacia la promoción del trabajo de artistas salientes, que tal como registra Ana Elena, empapan sus proyectos de atributos que los integren a las usanzas del momento para asegurarles alguna operación mercantil.

Sin embargo, es necesario distinguir que la labor de esta feria igualmente incluye la presencia de artistas cuyas intenciones encierran propuestas ambiciosas, con agrado se distinguen las posibilidades que nos brinda este evento para acceder, de primera mano, a trabajos de grandes y destacados artistas contemporáneos.

De este modo es que la FEMACO, con paciencia se apila como un punto obligado para coleccionistas, artitas, curadores y público en general, no sólo de México, también del mundo. Y tal vez sea este halo global lo que viene moviendo la curiosidad de un sector que desde ya se está integrando de muy buen modo a los círculos de colección y/o apreciación del arte.

Por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: autorretrato en el espacio de Quint Contemporary Art

2008-04-21T18:04:00.009-07:00

Expresión, plata y estilo.

Durante la pasada semana, tuvo lugar en el Centro Cultural Estación Indianilla del Distrito Federal, la décimo novena edición de Fashion Week México, un foro que integra a destacados representantes del diseño de moda en nuestro país, haciendo las veces de un gran escaparate para las propuestas nacionales ante la mirada internacional.

Esta ocasión, el programa de la semana estuvo compuesto por treinta desfiles que envolvieron la selección Otoño/Invierno 2008-2009, de firmas como Leonisa, Cubo, Amelia Toro, Royal Closet, Trista, Marvin & Quetzal y Malafacha, siendo la muestra de esta última, el motivo de mi asistencia a tal acontecimiento durante el día de su clausura.

Malafacha, es un sello formado por el diseñador de moda Francisco Saldaña que al lado del comunicador visual Victor Hernal, estructuran un proyecto de estilo propio dentro del diseño y la moda contemporánea mexicana. El juego de estos creadores reune piezas con una evidente cualidad de rebeldía y transgresión, consecuencia obvia, de su formación académica.

La oferta de Saldaña y Hernal, evidencia un estilo que desde hoy ya ha adoptado las formas del futuro, donde el individualismo y la provocación enmarcan cualidades singulares que suman voz y movimiento a sus prendas. El arribo de Malafacha a la pasarela del Fashion Week México, personificó una extensión de la vanguardia que amplió sus capacidades de impacto con los accesorios de Azure -la firma de plata mexicana a cargo de Carlos Rendón-, resultando de tal binomio, una vinculación multidisciplinar, donde la tela y el metal brillaron en toda su forma y textura.

Me arriesgo a sugerir, pese a críticas ortodoxas, los elementos artísticos de la pasarela en su amplio sentido, ya que su constitución esencial se halla en la inventiva de los diseñadores, siendo cada prenda, cada accesorio, una consecuencia particular de la interpretación del creador a un hecho o acto determinado, que no puede ser menos que ser calificada como expresión. Y eso, es lo que se notó en la muestra de Malafacha y Azure, un despliegue de innovación, claro, con un sentido comercial, pero que evidentemente no resta los méritos creativos.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2008-04-02T16:57:00.007-08:00

El lago de los cisnes

Dentro del marco del festejo por el 45º aniversario de La Compañía Nacional de Danza, tal agrupación presentó durante el mes de marzo, la trigésimo segunda temporada del ballet El lago de los cisnes, teniendo como escenario la emblemática Isleta del Lago del Viejo Bosque de Chapultepec.

El lago de los cisnes, cuya trascendencia y condición de obra maestra sobra destacar y argumentar, forma parte los trabajos concebidos por el compositor ruso Piotr I. Chaikovsk, que estructura el fondo sonoro en el que deambula la notable coreografía creada en el año de 1895 por Lev Ivanov y Marius Petisa.

Ordenado en cuatro actos, este espectáculo, cuenta la historia de Sigfrido, un príncipe cuyo aventurado destino lo transporta a un algo encantado donde descubre a Odette, una bella mujer que infortunadamente se encuentra encantada y transformada en cisne bajo el hechizo del malévolo Von Rothbart. De tal modo, que en el desarrollo el príncipe se disputa la liberación y amor de Odette.

Evidentemente la agudeza que empapa a esta obra al articularse en un ambiente naturalmente bello, como lo es el lago de Chapultepec, trastoca las posibilidades que por sí mismo este ballet posee. Una armónica producción, la destreza del cuerpo de baile que logra una ejecución considerable enfilan esta propuesta hacia resultados indiscutiblemente favorables. Sin embargo, el éxito de esta temporada no lo arranca el espectáculo, ni las posibilidades dancísiticas del mismo, el triunfo real queda en las expectativas y curiosidades de un público novel, que quizás sí, careciendo de las posibilidades de los grandes conocedores, se aproxima al ballet dispuesto al asombro, con vulnerabilidad total encontrando ahí sus coincidencias con los expertos. Es ahí donde radica el verdadero alcance de este ciclo que año tras año amplifica su trascendencia, que con una naturaleza incluyente otorga una amable recepción a los visitantes nacientes, que bien venimos acrecentándonos y amenazando con permanecer.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-03-06T19:22:00.005-08:00

Rodrigo Ayala

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Hace un par de semanas acudí a una de las estaciones del bazar errante Fusión, un espacio para la comercialización, que sin embargo incluye a su oferta las posibilidades de instalación para un foro donde cabe la música y el trabajo de diferentes artistas plásticos en un contexto muy particular, ya que en este sitio el arte nos reúne no solamente con las ideas de los autores, sino también en presencia con un contacto que deja de lado los convencionalismos y acrecienta las posibilidades de interpretación.

Fue así que gratamente descubrí la propuesta pictórica de Rodrigo Ayala. Como un imán cuya atracción literalmente me empujó el sitio donde exhibía su trabajo, las imágenes de Ayala gritaban a la vista, de tal modo que sus tonalidades arenosas despuntaban de forma vertiginosa exigiendo la atención de los espectadores.

De este modo, la obra de Rodrigo Ayala, apuesta hacia una reinterpretación de la geometría, en un ensamblaje de rombos y cubos que desmitifican la forma y revindican la estética. Aquella estética que quizás en ese afán de lo novedoso se ha visto tan vulnerada en recientes exposiciones, Rodrigo la redescubre, la valoriza.

El sentido de espacio en esta propuesta constituye por sí mismo una invitación al movimiento en el que las líneas crean figuras de rotaciones infinitas, donde lo inerte es atrampado por el peso de la inclinación. Siendo así, que el proyecto de Ayala es capaz de alterar la percepción de lo habitual para sembrar en el espectador la posibilidad de la transformación de la percepción.

Justamente, este trabajo proyecta la posibilidad de mirar un conjunto de obras que comparten el rumbo hacia el ocre, el sepia, estableciendo una homogeneidad que impacta en la reunión y las favorece en la individualidad, donde cada obra engancha por sus propias particularidades.

Es claro que tales efectos no podían ser resultado de la improvisación, son secuela de una considerable práctica, de un amplio transito por las principales salas de arte de México y Miami desde 1987.

El camino y madurez de la propuesta de Ayala es notable, también lo es la vanidad de su geometría, se reconoce, pero esta posición de suficiencia en el lienzo el artista la traslada a lo sensorial, a lo físico, donde por cada bocado visual el receptor construye una nueva emoción que lo acompañará de una manera penetrante.

Por Carlos Alberto Ruiz
Imagen: Metamorfosis II (Estudio negro), 2001, Rodrigo Ayala

2008-02-20T15:02:00.012-08:00

El Hershey Man

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Surgida como una respuesta natural a la interdisciplina, La Manga Video y Danza Co., ha conformado desde 1994, la producción de diferentes conceptos artísticos y de expresión, en los que cabe el video, el teatro, la danza, la investigación entre otros recursos que originan propuestas estéticas capaces de rebasar cualquier clasificación.

De entre sus proyectos se encuentra El Hershey Man, un ensamble donde la imagen, el sonido y los movimientos corporales estructuran un alarido de protesta contra la violencia a la vez que exige la reivindicación del individuo.

Tal espectáculo -que mantendrá funciones hasta el mes de mazo en el Foro de las Artes de la Ciudad de México-, se cubre de la autoría, coreografía e interpretación de la bailarina Gabriela Medina, quien tras ser testigo de un acto de violencia en el que un hombre que roba un par de chocolates Hershey es brutalmente golpeado por el dueño del almacén, reacciona a su percepción integrando un ejercicio en el que una expresión y emotividad excesivas son capaces de perturbar la conciencia el espectador e impulsarlo hacia el cuestionamiento de las prácticas sociales del mundo moderno.

El Hershey Man es movimiento, pero también es guerra. Literalmente es un bombardeo permanente resultado del trabajo visual de Mario Villa, que bien es capaz de estructurar un discurso que se integra de manera natural a las travesías de Medina, en un cuadrilátero donde la tragedia supone la totalidad con una naturalidad incesante.

Es verdad, El Hershey Man genera miedo, provoca convulsiones emocionales que retan al espectador, sin embargo, permite la interiorización, y quizás sea eso lo que justifica la continua exposición de la tragedia, porque al termino, duele.

La invitación a presenciar el espectáculo es por demás evidente, no guardo el menor recato. Soy vulnerable al encanto de la danza y sé que esa afección por el movimiento es compartida con otra colectividad aún mayor de la que asiste a las salas, y tal vez sea éste el pretexto que permita reconocernos y celebrar los placeres comunes.

Por Carlos Alberto Ruiz

2008-02-05T19:07:00.002-08:00

Paula

Generalmente, todo lo que leo se somete a mis instintitos; cada libro que adopto me gana por su título, portada o tan sólo por otro elemento mínimo de atracción. Soy consciente de que esta circunstancia obedece en mucho a cierta soberbia que me hace dudar de las recomendaciones de los otros, que por tanto acabo por ignorar. De tal modo, en tan amplias posibilidades de sugerencia, particularmente nunca dejo pasar de largo las hechas por mi amigo Antonio Galván, cuyas encomiendas considero tareas ineludibles; tal vez por la memoria del tiempo en que fue mi profesor, pero más creo yo, lo hago por el profesor que sigue siendo para mi en el presente.

Fue así que en una plática de estacionamiento me pidió que leyera Paula, una historia de la autoría de Isabel Allende. Por supuesto, no desconocía a la autora y sabia de su trascendencia dentro de la literatura latinoamericana, mas mi aproximación hacia su trabajo había sido nula. Tras la encomienda, que se hizo más evidente cuando el mismo Galván me obsequio el libro, sólo me quedó esperar a que iniciase el 2008 para comenzar este periodo de lecturas con Paula.

Cuando una historia cautiva lo hace desde sus primeras páginas, y en este caso así sucedió. La trama contiene mucho de biográfica, y por tanto es muy íntima. Las hojas nos presentan pasajes de la vida de Isabel Allende, mismos que la autora comparte por razones y en condiciones muy particulares. De tal modo que a través de un estilo narrativo claro, sin petulancias, al poco tiempo de lectura Isabel se convirtió en mi amiga. Admito mi atrevimiento, esta historia fue escrita especialmente para Paula, la hija de la escritora, soy conciente de ello, sin embargo, me resultó difícil no entregarme a una lectura ajena cuando ésta me involucró de inmediato.

En este sentido mi reconocimiento por Allende va más allá de lo literario. Me asombra descubrir a una gran persona, sin inhibiciones, que me trató como un aliado haciéndome revelaciones de su vida, de esas que únicamente nos permitimos con nuestros íntimos. Por otro lado, cómo no admirarme cuando la autora sació mi perpetua curiosidad con respecto a las emociones ajenas; comparte mucho acerca de la concepción femenina del amor, de la sexualidad; incluso Allende se permite confidencias turbulentas, tal es el caso de sus infidelidades en el matrimonio y de cómo vivió sus primeros romances con quien hoy es su pareja.

Cuando un libro cumple es porque nos marca, y a mí Paula me marcó porque fue capaz de llevarme a explorar espacios que desconocía. Y no se cuándo vuelva a encontrarme con Isabel, tampoco sé si nuestro siguiente tropiezo alcance las intensidades que éste; por el momento la única certeza es una frase que atrapo con la intención de no dejarla escapar en mucho tiempo:

“Tal vez estamos en el mundo para buscar el amor, encontrarlo y perderlo, una y otra vez.”
Isabel Allende

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-12-31T15:59:00.001-08:00

Día final del 2007

Desde que administro este espacio, mi percepción del tiempo se ha modificado, noto que las actividades obligadas y buscadas lo minimizan tremendamente. Y es al volver a este sitio que el calendario se me manifiesta con toda su crueldad al reprocharme que existen meses en los que registré únicamente un post. Me asombra que no sea capaz de medir en ocasiones las ausencias tan largas entre texto y texto, sin embargo, admito que tales huecos son consecuencia de otros quehaceres que irónicamente, se encuentran relacionados con este proyecto.

Volviendo al punto, hoy, 31 de diciembre, me cuesta trabajo creer que éste es el último día que resta del 2007. Siento que las semanas corrieron de un modo vertiginoso, y que los meses, así como nos regalaron espacio de vida y experiencias, mantuvieron una prisa constante por saltar uno tras otro. Hago un recuento por las cosas vistas, por los momentos vividos durante esos doce meses y es ahí cuando descubro que sí, en mucho cambió mi percepción del tiempo, pero también, que mi memoria me está traicionando enormemente y que necesité volver a mi lista de registros para traer a la mente cosas por las que pasé apenas este año y de las cuales ya me había olvidado.

Dentro de esas lagunas existen ciertas películas que no recordaba haber visto, y hoy al hacer el cálculo final de este periodo redescubro con mucha impresión. Abajo dejo la lista de cintas que miré este 2007, y lo hago porque sé que muchos se encontraran a sí mismos en ella, que al leer un título en común, con seguridad algún recuerdo brincará a su pensamiento, y sea quizás esa memoria el repaso de algo que daban por olvidado.

Feliz Año y gracias por visitar este espacio.

Breaking and entering, Violación de domicilio, Dir. Anthony Minghella
Stranger than fiction, Más extraño que la ficción, Dir. Marc Forster
Scoop, Amor y muerte, Dir. Woody Allen
Das parfum, El perfume, Dir.Tom Tykwer
Fuera del Cielo, Dir. Javier Patrón
Borat, Dir. Larry Charles
Carmen, Dir. Vicente Aranda
Easy, Fácil, Dir. Jane Weinstock
Music and lyrics, Letra y Música, Dir. Marc Lawrence
Shortbus, Dir. John Cameron Mitchell

The good shepherd, El buen pastor, Dir. Robert De Niro,
Alatriste, Dir. Agustín Díaz Yanes
Das Leben der Anderen, La vida de los otros, Dir. Florian Henckel von Donnersmarck
Niñas mal, Dir. Fernando Sariñana
300, Dir. Zack Snyder
Perfect stranger, Seduciendo a un extraño, Dir. James Foley
Le temps qui reste, El tiempo que queda, Dir. François Ozon
Spider-Man 3, El Hombre Araña 3, Dir. Sam Raimi
Grbavica, La revelación de Zara, Dir. Jasmila Bani
Fracture, Crimen perfecto, Dir. Gregory Hoblit
Fauteuils d'orchestre, Sueños de orquesta, Dir. Danièle Thompson
Reign Over Me, La esperanza vive en mí, Dir. Mike Binder
Paris, je t aime, Paris te amo, Dir. Varios
Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer, Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, Dir. Tim Story
Harry Potter and the Order of the Phoenix, Harry Potter y la Orden del Fénix, Dir. David Yates
Efter brylluppet, Después de la boda, Dir. Susanne Bier
The Contract, El contrato, Dir. Bruce Beresford
The Black Pimpernel, El clavel negro, Dir. Ulf Hiltberg
The brave one, Valiente, Dir. Neil Jordan
Luz silenciosa, Dir. Carlos Reygadas
The Black Dalia, La Dalia negra, Dir. Brian De Palma
Venus, Dir. Roger Michell
Love in the Time of Cholera, El amor en los tiempos del cólera, Dir. Mike Newell

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-12-27T19:55:00.002-08:00

El Cascanueces

Los festejos con el pretexto de la navidad son tan incluyentes que la celebración ha alcanzado una diversificación considerable. Y el motivo aquí no es la discusión acerca de las razones espirituales o comerciales de la nochebuena, sino destacar que dicho periodo aguarda opciones tan esperadas que en otros épocas del año no tienen cabida. Una de ellas es el ballet de El Cascanueces.

La historia que presenta este espectáculo se basa en el cuento del alemán Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, en cuya historia, una niña de nombre Clara recibe como regalo de nochebuena un cascanueces, juguete que además de cautivarla es capaz de llevarla hacia mundos fascinantes a través de la imaginación. Por supuesto, al ser la navidad el tiempo que ocupa la historia esta época se convierte en la excusa perfecta para cobijar tal ballet.

Con música de Piotr I. Chaikovsky, El Cascanueces vio los escenarios por primera vez en Rusia en el invierno de 1892, asombrando con una coreografía admirable y un relato conmovedor; y más asombroso es, que a ciento quince años de su estreno este espectáculo siga cautivando mientras otenta el titulo del ballet más representado en el mundo.

En nuestro país, durante veintisiete años la Compañía Nacional de Danza ha realizado consecutivamente la temporada de El Cascanueces, presentándose en esta ocasión como en años anteriores, en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, con una producción considerable acompañada por la música de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, esta obra dotada con la presencia de talentosos primeros bailarines y solistas conforma una de las piezas destacadas de la compañía.

Sin embargo, lo significativo de este espectáculo es la posibilidad que ofrece de integrarnos a la fantasía, dado que nos aleja de intenciones dramáticas para encaminarnos hacia la candidez. Eso se agradece mucho, más cuando la intensidad marca generalmente nuestros actos, y es quizás ahora, cuando la navidad y el fin de año atacan, que la presencia de El Cascanueces constituye una tregua invaluable, que por momentos nos reconcilia con la inocencia mientras con su camino a la imaginación a través del movimiento suaviza notablemente toda la nostalgia que pueden significar los balances por el año que está por terminar.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-12-18T17:29:00.002-08:00

Memorias de Vanguardia

La imagen que se juzga desde los parámetros de lo artístico enfrenta una estimación que involucra no únicamente a la estética; el fondo, en este caso juega un papel importante, ya que el argumento que envuelve al retrato puede incluso trasmitir cantidades de información invaluable. No obstante, como toda obra cuya percepción y acogimiento obedece totalmente a lo subjetivo, la consideración difícilmente es coincidente. Pese a ello, existen proyectos, que como consecuencia de su totalidad, son capaces de alcanzar comentarios positivos y unánimes de la crítica, prensa y público.

Un ejemplo claro de esta circunstancia es el que ha suscitado el trabajo del fotógrafo mexicano Agustín Jiménez, que ha treinta y tres años de su muerte, es traído al frente bajo una estimación unísona, sostenida de reconocimiento y de total intención por mantenerlo como uno de los cimientos de la historia de la fotografía en nuestro país, siendo pieza clave de la generación de la vanguardia.

La obra de Agustín Jiménez, se estructura de gran vastedad y diversidad temática. Parte de sus primeros trabajos registran su paso por la Academia de San Carlos, sitio en el que fungió como profesor, siendo la práctica docente un elemento decisivo en su camino hacia lo conceptual.

La década de los treinta fue sin duda uno de los periodos más ricos del artista, ya que es durante este tiempo que Jiménez incursiona en la publicidad y en diferentes proyectos editoriales; sin embargo, a raíz de su amistad con el director ruso, Sergei Eisentein, Jiménez decide irrumpir en la industria cinematográfica, dando de este modo, una continuidad congruente a su visión de la esencia de la sociedad mexicana.

El trabajo visual de Agustín Jiménez reestructura las formas de los objetos comunes, reinterpretando de esta manera los entornos al entregarles un sentido distinto, e incluso sugiriendo formas novedosas en juegos que se apoderan de lo popular, prehispánico y nacional.

Y todo esto puede ser presenciado en: Agustín Jiménez: memorias de vanguardia, muestra que el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México ha conformado en torno al fotógrafo, que bajo la curaduría de José Antonio Rodríguez, compila ochenta trabajos del artista, creando un pasaje visual e histórico trascendente, con el soporte de incitar hacia el encuentro de la identidad y la proyección de los cimientos de la imagen moderna en México.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-11-13T19:14:00.001-08:00

Tamayo Reinterpretado

Nacido en Oaxaca en el año de 1899, Rufino Tamayo, simboliza uno de los más grandes pintores en la historia de México. Su propuesta artística, que encuentra sus primeras exhibiciones en 1928, se nutre de distintas corrientes que a lo largo de su producción deambulan hacia tópicos heterogéneos, consolidando de este modo una técnica con fuertes cimientos de la escuela cubista.

Con respecto a su temática, la obra de Tamayo captura por tiempos las distintas posiciones e inquietudes que fluyeron en el pintor durante su vida. Con imágenes en exceso emocionales, el oaxaqueño grita los padecimientos más temibles de la condición humana: odio, rencor y violencia; en las cuales apuesta hacia tonalidades hoscas que aterran con la misma magnitud que son capaces de cautivar a quien las mira.

Por otra parte, existen trabajos que lo encaminan más hacia el retrato de la sociedad mexicana bajo una percepción que difiere a la de otros pintores nacionales de su generación. En este sentido, la imagen que hace Tamayo de México y su pueblo no únicamente constituye un pretexto político, su visión resulta estremecedora por la interpretación de identidad aguerrida, tenaz que hace de la sociedad nacional, estructurando de este modo, un reconocimiento en donde conviven lo espiritual y lo humano.

Tras una vasta producción aunado al reconocimiento internacional que Tamayo y su presencia pictórica han acumulado a lo largo del tiempo, a 15 años de su deceso, el museo que lleva su nombre (cuya gestión compone una de las más grandes obras realizadas en vida por el artista), presenta una retrospectiva bajo el título de Tamayo Reinterpretado, conformada por 90 piezas provenientes de colecciones particulares y museos internacionales.

Tan ambiciosa exhibición no es menos que la reunión más completa que se haya realizado en torno a las obras del pintor mexicano, mostrando así, un recorrido profundo por los laberintos visuales realizados a los largo de más de 70 años de trabajo artístico llevado a cabo por Tamayo.

La curaduría de Tamayo Reinterpretado corrió a cargo de Diana C. du Pont y Juan Carlos Pereda, que bajo una capacidad sensitiva enorme estructuran el guión perfecto para acceder a la obra del artista.

Es así, que esta confrontación con el arte de Rufino Tamayo, no únicamente abre el camino hacia el goce de lo estético, su invitación excede y nos lleva por túneles visualmente poéticos que nos incitan hacia el encuentro de la identidad.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-10-16T21:04:00.001-07:00

Storyboard

El pasado jueves 11 de octubre, el artista Ricardo Villasana, inauguró en Galería Oscar Román, su más reciente ofrecimiento pictórico, que bajo el titulo de Storyboard, reúne una serie de obras en las que el autor, dando continuidad a su propuesta del Sensacionalismo, juega a la provocación del inconciente y conciente de los espectadores, en el marco de una exhibición significativa.

Apunto lo anterior desde la trinchera de la más clara subjetividad, creo en la fuerza turbulenta de las imágenes de Ricardo, y mi posición no obedece más que a un retrato de la realidad. Si bien reduzco mi apreciación esta vez, es debido a que el artista me ha concedido la realización de la cédula introductoria de la exposición, misma que se ubica en el recinto de la galería, y en este sentido, dicho texto alberga las ideas totales que Storyboard me ha generado.

Cabe destacar, que en el ciclo de tal presentación, paralelamente tienen lugar muestras de los artistas plásticos Ana Rosenzweig y Antonio Muñiz, proyectos que abordaré en posts consecutivos.

De este modo, no queda más que ofrecer la invitación hacia el impulso de las sensaciones, hacia encontrar el máximo de cada una de las emociones celebradas por Storyboard.

Galería Oscar Román
Julio Verne 14, Polanco, Ciudad de México
Más información en: http://www.galeriaoscarroman.com.mx/

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-10-02T19:47:00.001-07:00

Tlatelolco

Está bien, no se olvida. Pero por qué ya no recordamos Acteal…
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Carlos Alberto Ruiz

2007-09-22T11:05:00.001-07:00

Palabras de Aniversario

El tiempo es un orden secuencial que nos concede la posibilidad de distinguir los sucesos de la vida; nos otorga parámetros de continuidad a la vez que crea huecos que nos permiten ubicar los referentes de nuestro pasado. Ese tiempo que debiera formularse más con experiencias y conocimientos que con años, marca este día un ciclo que cierra el primer aniversario de este espacio.

Si la creación de este sitio obedeciera a una anécdota apreciable, sin duda seria el primero en hacerla pública, mas lo único que se puede hablar de su nacimiento es que surge como consecuencia de una inquietud individual. Sí, surge bajo una percepción muy particular, sin embargo, dotada de honestidad y de la intención de transformarse en colectiva.

Y si de balances o cortes puede hablarse bajo el pretexto de este primer año, los resultados rebasan la más ambiciosa de las expectativas que quizás en sus inicios pude albergar. El contacto mayor o menor que este territorio me ha concedido con diferentes personas es invaluable. Cada una de las opiniones –tácitas o públicas– que se han generado a partir de algo comentado en este espacio, no pueden ser menos que el principal estímulo que ha permitido la producción de los textos aquí presentados.

Qué decir de las aportaciones. Es ésta la ocasión para reconocer las intervenciones, sugerencias y ayuda de gente como Antonio Galván, Marlene Malagón y Carlos Rendón, que haciendo gala de una amistad sin limites han adoptado este proyecto como propio.

No queda más que agradecer las lecturas, visitas, comentarios y paciencia de aquellos que permiten que estas líneas suban por un momento al camino de su cotidianidad.

Y por si acaso cabe la nostalgia, busco en el pasado una frase publicada en el primer post, que ahora, en este tiempo, encuentra otro desenlace:

Todo final representa un principio. Los sentimientos trascienden, las emociones se transforman, y yo, yo sigo aquí...

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2007-09-01T10:06:00.004-07:00

De transformación y relaciones humanas

Desde hace un par de años he llegado a realizar algunos textos y pequeños trabajos en torno a las relaciones de pareja, entendiendo a éstas como fundamento de un estilo de vida entre dos individuos que integran y comparten sus emociones, sensualidad, intelectualidad, corporalidad y deseo.

Mi aproximación hacia esta temática tiene como fundamento dos ensayos: El Arte de Amar de Erich Fromm y La Llama Doble de Octavio Paz; sin embargo, hace algunos días recibí como regalo un trabajo de la autoría de Rainer Maria Rilke, que bajo el título de Cartas a un Joven Poeta, me ha compartido nuevos elementos para integrar a mi todavía estrecha visión al respecto.

Este conjunto de epístolas fechadas en su mayoría en el año de 1904, surgen en un momento en el que el género femenino sobrevivía a condiciones desfavorables y de separación, siendo éste el marco bajo el cual Rilke visiona las tragedias de la desigualdad, mas su percepción ambiciosa le permite vaticinar: “[…] un día existirá la muchacha y la mujer cuyo nombre no signifique meramente una opción a lo masculino, sino algo por sí, algo que no se piense como un completamiento y un límite, sino sólo vida y existencia: la persona femenina.”

Bajo esta percepción que vislumbra ya una identidad de la naturaleza femenina, resulta inevitable cuestionar cómo el actual rol de la mujer ha devenido en una transformación en el concepto de relación de pareja e incluso en la noción misma del amor en el mundo occidental, de forma más penetrante en las grandes urbes.

Si el amor se asienta en la capacidad de dejarse ir con el otro, es también recibir del otro. Por tal, la experiencia de las emociones se enriquece en cuanto más elementos se tengan para compartir, claro, esto no refiere exclusivamente a los aspectos físicos, el propósito es más profundo.

El escenario de la sociedad actual integra a mujeres con grandes conocimientos, expectativas y experiencias, hecho que ha devenido en la transformación estructural de la pareja moderna, arribando a una consecuencia también anunciada por Rilke: “Este progreso transformará la experiencia del amor […] convirtiéndola en una relación que se entienda de persona a persona, no ya de hombre a mujer.”

Sin duda, la cita anterior funciona para advertir la evolución constante de las relaciones, del mismo modo que invita a la reflexión y hacia un cuestionamiento que pese al tiempo no encuentra certezas, sino por lo contrario aumenta sus dudas.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-08-25T13:30:00.003-07:00

Juste Pour Rire, un festival de la diversión.

Las condiciones climáticas de Montreal sin duda han caracterizado de forma muy particular las prácticas de sus habitantes. Una población que anualmente sobrevive a poco más de cinco meses de fríos intensos indudablemente espera el verano con gran avidez, y en este caso, el pueblo de Montreal no únicamente aguarda la presencia del sol para recobrarse de las bajas temperaturas, es éste el pretexto para salir a las calles y celebrar el arribo de la nueva temporada.

Bajo este panorama no es motivo de asombro que esta ciudad ofrezca una de sus conmemoraciones a la risa, rindiéndole a través del Festival juste pour rire (Festival sólo por reír) un homenaje trascendente que reivindica el papel de la risa y la diversión.

Fundado y hasta la fecha producido por Gilber Rozon, uno de los grandes comediantes canadienses, el Festival juste pour rire, engloba una serie de espectáculos que incluyen el trabajo de actores, mimos, ilusionistas, comediantes, músicos y marionetas que en esta ocasión tomaron Montreal del 8 al 29 de julio, cumpliendo no sólo una emisión más de festival sino también festejando su 25 aniversario.

El calendario correspondiente a la vigésimo quinta edición incluyó la presencia de más de 800 artistas provenientes de distintas regiones del mundo, que bajo la premisa de provocar el buen humor, ofrecieron alrededor de 2000 espectáculos, entre ellos obras de teatro, noches de cabaret, conciertos, monólogos, desfiles, proyecciones cinematográficas y televisivas.

La realización de los eventos sucede en teatros, salas y bares, o bien al aire libre a través de los carnavales, representaciones de saltimbanquis, estatuas vivientes y artistas urbanos que durante este ciclo repiten cada noche su andar transformando las calles y avenidas en el corazón del festival, creando una atmósfera de vida y diversión alrededor de la ciudad.

De esta manera, el Juste pour rire, se adopta como una manifestación artística fundamentada en una práctica que tal vez en mucho hemos borrado de nuestra cotidianidad: la risa. Tal vez por ello que anualmente dos millones de asistentes se dan cita en las calles de Montreal para dejarse provocar y ser objetos de los actos espontáneos de payasos, gárgolas, hombres gigantes y trapecistas que alcanzan a un público expectante que acaso los observa para asombrase con sus movimientos o quizás los mira sólo por reír.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2007-08-09T14:38:00.001-07:00

Bruce Nauman
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Como atractivo de verano, el Musée D´art Contemporain de Montreal presenta una exposición del artista Bruce Nauman, misma que se mantendrá hasta el 3 de septiembre, y que gracias a la difusión de la prensa local, ha creado una expectativa considerable, dando como resultado una afluencia constante de visitantes a este recinto.

Nacido en los Estados Unidos y con una formación académica estrechamente relacionada con las ciencias exactas, Nauman, ha sabido nutrir su producción artística de una personalidad de mensajes múltiples, que a veces exploran la desolación, otras una sexualidad mórbida o bien encaminada a la frustración, pero siempre, con la intención de provocar al espectador atacando su tolerancia y paciencia.

Por su puesto, el carácter provocativo del discurso de Nauman constituye uno de los principales atractivos de su obra, ya que el artista se permite denunciar lo infortunado de la condición humana bajo una percepción única, alejada totalmente de las posiciones triviales y flojas que muestran los medios de comunicación.

En el arte de Bruce Nauman, la lingüística cobra un sentido importante, puesto que parte de su trabajo se fundamenta en el poder de la palabra. De esta manera el artista crea un entorno visual estructurado con palabras, frases provocadoras formadas con tubos de neón de colores estridentes. Del mismo modo, el neón ayuda también a Nauman a crear figuras humanas de expresiones desoladoras y con intenciones sexuales desbordantes.

Otro elemento muy presente en su oferta es “El Payaso”, mismo que captura en neón o video por medio de proyecciones múltiples, con monólogos repetitivos, desquiciantes que exhiben la precariedad de una sociedad de consumo envuelta en una violencia permanente.

En lo que respecta al video, en su primera etapa puede por momentos traer a la mente los conceptos visuales explorados anteriormente por Andy Warhol, sin embargo, la evolución en los proyectos de Bruce Nauman es palpable manifestando originalidad en sus visuales más contemporáneos llenos de un humor inmensamente trágico, destacando Clown Torture, en el que un payaso sostiene con una escoba una pecera, manteniendo una lucha enloquecedora por traer de vuela a sus manos el recipiente evitando que éste sufra algún daño, todo esto bajo una instalación de diferentes pantallas que proyectan la misma secuencia una y otra vez.

Como uno de los principales atractivos de esta muestra se presenta la instalación One Hundred Fish Fountain, una fuente construida por 97 peces de bronce que suspendidos armónicamente expulsan agua creando un espectáculo de movimiento y sonido organizado a partir del líquido que incesantemente recorre la escultura.

En este sentido, la obra de Nauman funciona como una valiosa oportunidad de nutrir el inconsciente, provocar la moralidad y de paso ratificar la fe en el arte contemporáneo.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-08-01T19:36:00.002-07:00

L'international Des Feux Loto-Quèbec

Anteriormente ya hablé de la île Sainte-Hélène y de su papel relevante como atractivo turístico de Montreal, del mismo modo comenté que en ella existe el parque de diversiones más importante de la ciudad, mismo que bajo el nombre de La Ronde ofrece a sus visitantes la adrenalina que únicamente pueden otorgar los ya clásicos juegos mecánicos.

La Ronde, que este año celebra su 40 aniversario, presenta dentro de sus atracciones L’international Des Feux Loto-Quèbec, un espectáculo conformado a partir de una competencia internacional de fuegos pirotécnicos, que desde 1985 tiene lugar en el ya citado centro de entretenimiento, y en la que en este año participaron Canadá, España, Inglaterra, Estados Unidos, Francia, Alemania, China y México (sí señor).

En esta ocasión las presentaciones tuvieron lugar los sábados y miércoles del 20 de junio al 28 julio, en un total de 9 exposiciones nocturnas en las que cada uno de los participantes hizo gala de grandes espectáculos pirotécnicos denominados pyromusical displays, es decir, la conjunción de los fuegos artificiales sincronizados con una secuencia musical, lo cual da como resultado una mágica proyección sonora capaz de asombrar a los más escépticos.

Como ya mencioné, los fuegos son lanzados desde el parque de diversiones, sin embargo, sabemos que para disfrutar un espectáculo de pirotécnica no es necesario encontrase en el lugar donde los fuegos son despedidos, la luminosidad, el tamaño de los globos y chispas que forman pueden ser apreciados a distancia, y es ésta la condición que engrandece a la L’international Des Feux Loto-Quèbec, ya que su presencia envuelve el cielo de Montreal deleitando a un público numeroso, que quizás disfruta más que aquel grupo reducido que adquiere sus boletos para la presentación.

La competencia pirotécnica es capaz de atrapar la atención de ciudadanos y visitantes de Montreal creando tal expectativa que paraliza la ciudad por el lapso de los 30 minutos que abarca cada presentación.

Tras el aviso muchas personas buscan un sitio que permita una buena visión de los destellos luminosos. El Estado por su parte hace lo suyo deteniendo la vialidad en el puente Jacques-Cartier, para que por unos instantes se transforme en el recinto que cobije a centenares de espectadores que aguardan con impaciencia los resplandores en el cielo. Algunos para no quedar al margen de la totalidad del espectáculo se ayudan de radios portátiles para sintonizar la estación que gentilmente transmite la música que acompaña en vivo al espectáculo, otros hacen lo mismo desde los estéreos de sus autos que dejan sonar a todo volumen para compartir con los otros la experiencia.

Es increíble mirarnos como espectadores vulnerables a la fascinación de los colores en movimiento, a detonaciones implacables bajo un ritmo que nos azota de la nostalgia a una felicidad casi perpetua, que resiste y no se rompe con los aplausos finales que ofrece un público exacerbado a un grupo de artistas de la luz, que quizás lejos de poder escuchar las palmas eufóricas de la concurrencia, recibe la intensidad y el asombro de cada uno de ellos.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2007-07-31T17:13:00.003-07:00

Piknic Électronik

La île Sainte-Hélène (isla Santa Elena) se ubica sobre el río San Lorenzo en el territorio de la ciudad de Montreal. El acceso hacia la isla no únicamente puede ser a través de transportes fluviales, ya que se encuentra conectada a Montreal a través de los puentes Jacques-Cartier y de la Concorde, además de la estación de metro Jean-Drapeau.

En el perímetro que abarca Sainte-Hélène se ubican algunos de los sitios más representativos de esta ciudad canadiense, como lo son el parque de diversiones de La Ronde y el museo de la Biosphère.

Otro emblema importante de esta pequeña isla es la escultura L'Homme, un trabajo artístico de la autoría de Alexander Calder. Compuesta por 60 toneladas de acero y una altura de 22 metros, esta estructura proyecta una visión muy particular de la raza humana. Y es ahí, bajo el cobijo de esta obra monumental, que tiene lugar una de las fiestas veraniegas más importantes de Montreal, se trata del Piknic Électronik.

El Piknic Électronik, constituye una serie de eventos de música electrónica, y que esta ocasión es llevado a cabo por quinta vez teniendo lugar los domingos del 20 de mayo al 30 de septiembre.

Compuesto por un cártel que abarca Dj’s de distintas regiones de Europa y América el Piknic Électronik se nutre no sólo de la música sino del espacio que lo envuelve. La posición geografía que constituye el entorno del evento permite mirar el atardecer en Montreal teniendo una visión privilegiada de la ciudad; la naturaleza de la isla es también otro factor importante que lo nutre de originalidad y rompe quizás con los estereotipos que existen con respecto a la música electrónica.

Para una fiesta en la que los bits no dan tregua durante doce horas las expectativas se antojan interminables; la música, el baile y la multiculturalidad que ahí tienen lugar son tan sólo un pretexto para confirmar hasta qué punto nos sentimos vivos. Y al menos a mí, en este caso, la presunción me alcanza para decir que el primer domingo de julio la intensidad pudo llevarme hacia algo propio que tal vez yo desconocía, que no tan solo fue por el sitio, también por la compañía con quien se compartió.

Detalles en: http://www.piknicelectronik.com/

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2007-07-15T17:34:00.002-07:00

México 3 - Congo 0

El pasado jueves a las 7:45, hora de Montreal se llevó a cabo el partido de México contra el Congo dentro del marco de la Copa del Mundo sub20, mismo que tuvo lugar en el estadio olímpico.

Las circunstancias me han mantenido en la ya citada ciudad, de tal modo que bajo la sugerencia de amigos y la familia es que asistí a ver el juego.

Tan sólo hace unos post atrás había mencionado mi sentir hacia el futbol, sin embargo, vivir un juego de la Copa del Mundo (aunque sea sub20) en el que participa tu país, puede despertar la curiosidad del más desconfiado y ahí estuve siendo parte de un sentido de patriotismo exacerbado, en un bullicio de 40 mil personas, en su mayoría apoyando a México. Yo un tanto entusiasmado, que sí, a veces gritaba cuando no debía de gritar, despotricando cuando algo llamado fuera de lugar anuló un gol.

Tal experiencia desde luego no me ha logrado reconciliar con este deporte, sin embargo, puedo decir que fue un acto que me enriqueció por la experiencia y que pese a lo ajeno que eso era para mí, no me sentí fuera de lugar.

Gracias a esta victoria México jugará con la selección de Argentina, si alguien sabe algo a cerca de ello y los resultados, háganlo saber.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-06-19T18:29:00.001-07:00

José Guadalupe Posada

Nacido en México en el año de 1852, José Guadalupe Posada, fue un destacado litógrafo y grabador cuya trascendencia e impacto aún repercute en la historia de nuestro país.

La producción de Posada alcanzó su momento cumbre en un contexto muy particular: un México que sobrevivía al porfiriato en condiciones políticas temibles y un panorama social desolador. En un lugar donde el 80 por ciento de la población era analfabeta, Posada a través de sus grabados logró cautivar al pueblo mexicano ofreciéndole una posición política, una perspectiva de los sucesos trascendentes, es decir, una visión de vida.

Con una técnica excepcional, las imágenes de Guadalupe Posada lo mismo ridiculizan a don Porfirio que exhiben las andanzas de Zapata; de igual forma dan cuenta de una visión muy particular de las prácticas de la sociedad nacional tales como la celebración del día de muertos o la semana santa.

El alcance del trabajo de este grabador mexicano ha repercutido en distintos ámbitos; en su momento constituyó un referente destacado del periodismo, para con el tiempo ganar reconocimiento tanto por su técnica, estilo y propuesta temática introduciéndolo de esta manera en los círculos del arte nacional e internacional.

Los grabados de Guadalupe Posada son la voz de un pueblo que deseaba ser escuchado; un recurso divertido en el que la sociedad enfrentaba su propia cotidianidad; un retrato donde el pueblo era el principal actor, donde los demonios cobran vida para denunciar los crímenes más atroces y la fantasía hace las veces de herramienta que concede una realidad más humana y digerible.

Y qué decir de las emociones que aviva su propuesta. Al estar frente a sus grabados, las inquietudes atacan una tras otra, a tal grado que resulta difícil para las palabras detallar la experiencia, tal como si un patriotismo exacerbado nos tomara por completo haciéndonos sentir un orgullo inmenso por pertenecer a la nación ahí retratada.

El museo dedicado a este grabador se ubica en la ciudad de Aguascalientes.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2007-05-29T18:40:00.007-07:00

Nortec Collective + Banda Agua Caliente

Integrado en la ciudad de Tijuana en el año de 1999, Nortec Collective constituye un proyecto musical-visual que forma su nombre a partir de la mezcla de dos elementos: norteño y tecno; y así suena Nortec, con propuestas que nacen de la música tradicional mexicana de banda fusionada con bits vanguardistas de música electrónica.

Conformado en su parte sonora por Fussible (Pepe Mogt), Bostich (Ramón Amezcua), Hiperboreal (PG Beas), Panóptica (Roberto Mendoza) y Clorofila (Jorge Verdín); este colectivo extiende las posibilidades del electrónico y la tambora dando como resultado secuencias acústicas de ritmos que les han valido la aceptación en los raves más cosmopolitas tanto en las celebraciones rurales más tradicionales.

El encanto de Nortec reside en la estética que envuelve al concepto: músicos, diseñadores y artistas visuales que dotan a este proyecto de gran interdisciplinaridad y otorga una gran calidad a cada una de sus propuestas. Por tal, las producciones discográficas de Nortec sólo ofrecen una pequeña parte de lo que este grupo encarna, porque su totalidad únicamente puede ser apreciada en sus presentaciones en vivo.

El espectáculo de Nortec se construye de sets en los que cinco artistas ofrecen lo mejor de sus mezclas apoyados de los fondos visuales de Octavio Castellanos, arrebatando la energía de la audiencia que a partir de la primera canción queda a los pies de los ritmos del colectivo.

Con mucha fortuna en distintas ocasiones he sido cómplice de tal espectáculo, y cada vez, al final, la gula me ha abordado para pedir más, siendo éste el motivo que me lleva en busca de la siguiente presentación. Y pese a la repetición de la experiencia, me tenía una deuda pendiente.

Desde hace algún tiempo, eventualmente Nortec ha aparecido en el escenario en compañía de la Banda Agua Caliente, una agrupación clásica de la música de banda; y es en estas presentaciones cuando los samplers son remplazados por instrumentos acústicos: tuba, acordeón, trompeta y trombón que al lado de cajas de ritmos y laptops no pueden más que ofrecer un show que rebasa toda interpretación. Ello fue lo que me hizo saltar hacia el escenario de San Marcos el pasado 11 de mayo en Aguascalientes, en busca de saciar la necesidad de encontrar a un Nortec “total”. La distancia, el viaje, fueron remunerados con un show de dos horas que abarcó casi por completo el álbum Tijuana Sessions Vol. 3, además de trabajos individuales de cada uno de los artistas. Sin duda una experiencia que registro como uno de los mejores conciertos que he presenciado.

Difícilmente la energía puede ser algo palpable, sin embargo, esta ocasión Nortec hizo posible que no sólo fuera tangible, sino llena de imágenes y colores a partir de los ritmos que no dieron tregua a un público que al igual que yo fue vulnerable a la tambora más sui géneris del planeta.
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Deuda saldada. Tengo la voz…
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Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2007-05-22T17:29:00.003-07:00

Feria de San Marcos 2007

Aguascalientes es uno de los 32 estados que conforman la Republica Mexicana, se ubica al centro del país formando uno de los centros industriales, comerciales y ganaderos sobresalientes de México. Sin embargo, la trascendencia más grande del estado se debe a su feria anual, mejor conocida como Feria de San Marcos, el evento de esta naturaleza más importante de nuestro país. Tal celebración data del año 1828, siendo esta ocasión el festejo número 179.

Las ferias y conmemoraciones estatales, sin duda representan la más autentica de las prácticas sociales que una nación puede alojar. En el caso particular de la Feria de San Marcos, su tradición ha rebasado más allá de los eventos clásicos e importantísimos como la charraría, las peleas de gallos, el palenque, para alcanzar e incluir dentro de su espacio eventos artísticos y talleres culturales que nutren en gran cantidad su contenido temático y como consecuencia multiplican su impacto social.

En esta edición, la feria fue albergada en un sitio de 90 hectáreas, incluyendo nuevas instalaciones y centros de todo tipo, en el cual se ofrecieron cerca de dos mil eventos culturales y de entretenimiento para casi seis millones de personas de distintas partes del mundo que se dieron cita en el estado del 14 de abril al 13 de mayo.

Es así que incluirse dentro de esta celebración involucra un sin fin de oportunidades para experimentar emociones nuevas en todo sentido. Una gastronomía con amplias ofertas, espacios culturales hospedando exposiciones de primer nivel, conciertos, además de otros espectáculos artísticos presentando a músicos, bailarines y actores destacados. Y por supuesto, el gran recibimiento de los hidrocálidos, compartiéndonos muy entusiastas todo lo que su estado y su feria son. Una cordialidad, que en mi caso, despojó la condición de viajero solitario para establecer lazos de fraternidad.

De la Feria de San Marcos me llevo muchas imágenes, muchas memorias, dentro de las cuales me es difícil elegir una en especial para compartir. Me recuerdo caminando en el pabellón poético, me salta la visión hacia el paseo por sus museos o las caminatas por el jardín San Marcos, de ahí la mente me lleva a la plaza de toros; mas la memoria hace aún esfuerzos y me trae la escena de uno de los corredores de la feria abarrotados de parejas que acompañadas por la música de pequeñas bandas en vivo mueven sus cuerpos en un baile de sombreros brincando al unísono, abriendo la puerta hacia una vida nocturna única, de posibilidades inmensas.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2007-05-04T14:52:00.001-07:00

MACO 2007

El pasado fin de semana, la Ciudad de México albergó por cuarta ocasión a México Arte Contemporáneo (MACO), la feria de arte contemporáneo más ambiciosa concebida en nuestro país en los últimos años. Tal muestra reunió en esta ocasión a poco más de setenta galerías nacionales e internacionales, que claro, nos acercaron al trabajo de artistas de distintas latitudes, que de no ser por ese evento, difícilmente tendríamos oportunidad de conocer.

La MACO constituye un panorama único que nos otorga una visión total de las nuevas tendencias y caminos del arte actual a través de sus distintas expresiones; además, con la oportunidad de interactuar con artistas, curadores y promotores. Por supuesto la condición “global” de este espacio nos permite ubicar el estado que ocupa el arte mexicano dentro de la escena artística mundial; y es aquí cuando el panorama no resulta tan alentador.

En este sentido, creo que el concepto de lo kitsch, en el caso de nuestro país, ha permitido a nuestra sociedad reconciliarse con algunos elementos que quizás en algún momento representaron tropiezos o bien lastres culturales. Es muy bueno celebrar a los ídolos mexicanos y su lugar en la identidad social; quizás pueda ser atractivo rescatar que el peluche es glamour en el diseño; y bien estos elementos funcionan para decorar los bares de la Condesa, mas es triste mirar que esto constituye la vanguardia de las propuestas creativas del arte en México.

Sin embargo, aún mantenemos artistas creativos, capaces de romper las tendencias unánimes para jugar con propuestas visuales, técnicas distintas, dispuestos a arriesgar. Tal es el caso del pintor mexicano Ricardo Villasana, cuya participación en la MACO destaca por lo trascendente de su oferta, que se dirige hacia lo que él mismo califica como sensacionalismo, creando un arte capaz de tambalear las emociones del espectador a partir de escenas agresivas a la vez de estéticamente armoniosas.

Y bueno, ya en aspectos más íntimos destaco que dentro de la exposición me topé con una visión muy especial. Se trató de una imagen del fotógrafo Dennos Hopper; el trabajo en cuestión lleva por título Bikers Couple. Dicha imagen en su momento fue usada como portada de una de las versiones de los discos The best of The Smiths I & II, y bueno, verla dentro de la feria me asombró mucho, además, porqué no decirlo, fue un detalle que me puso contento.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-05-01T00:04:00.001-07:00

There is a light that never goes out

No me gusta usar términos como: "mi libro favorita", "mi película favorita", "mi grupo favorito" o "mi canción favorita"; sin embargo, tengo que destacar mi debilidad por There is a light that never goes out, canción original de The Smiths, a cuya melodía y lírica simplemente no puedo resistirme. Eso trae como resultado que cada vez que la escucho me llené de un enorme placer.

El mensaje de esta composición siempre se me ofrece hacia diferentes interpretaciones, que claro, invariablemente ligo con aspectos personales. Quizás por esto la relación que mantengo con ella rebasa el simple gusto, formando más un lazo de complicidad y compañía.

No importa mi estado de ánimo; cuando la felicidad me aborda recurro a esta canción a modo de festejo; cuando al contrario, algo me agobia, acudo a ella para encontrar salida. Un sin número de ocasiones he cruzado largos trayectos repitiéndola una y otra vez. Por supuesto, me asombra que pese a todo nunca me hastía. Para muchos, tal vez estas líneas revelen el por qué el título de este blog; pero el objetivo principal no es ese.

El caso es que el día de hoy, esta fecha, es importante en mi vida. Marca mi trascendencia humana. Como consecuencia, me inundan los motivos para celebrar, y a mi gusto amerita escuchar There is a light that never goes out, mas por la incapacidad de compartirla en su totalidad a través de este medio, queda la posibilidad al menos de ofrecer la letra.

Sea de ustedes, esperando que cada uno pueda encontrar en esta lírica emociones tan intensas como las que en mi provoca. Igual me disculpo en el caso de que les parezca excesivo este post, por ser el texto más personal que me he permitido hasta ahora aquí.

There is a light that never goes out
Steven Patrick Morrissey

Take me out tonight
Where there's music and there's people
And they're young and alive
Driving in your car
I never never want to go home
Because I haven't got one
Anymore

Take me out tonight
Because I want to see people and I
Want to see life
Driving in your car
Oh, please don't drop me home
Because it's not my home, it's their
Home, and I'm welcome no more

And if a double-decker bus
Crashes into us
To die by your side
Is such a heavenly way to die
And if a ten-ton truck
Kills the both of us
To die by your side
Well, the pleasure - the privilege is mine

Take me out tonight
Take me anywhere, I don't care
I don't care, I don't care
And in the darkened underpass
I thought Oh God, my chance has come at last
(But then a strange fear gripped me and I
Just couldn't ask)

Take me out tonight
Oh, take me anywhere, I don't care
I don't care, I don't care
Driving in your car
I never never want to go home
Because I haven't got one, da ...
Oh, I haven't got one

And if a double-decker bus
Crashes into us
To die by your side
Is such a heavenly way to die
And if a ten-ton truck
Kills the both of us
To die by your side
Well, the pleasure - the privilege is mine

Oh, There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out

2007-04-11T18:18:00.003-07:00

Bernal

Bernal es un pequeño poblado que se encuentra en Ezequiel Montes, uno de los municipios pertenecientes al estado de Querétaro en México. De entre sus principales atractivos se observa un gran monolito conocido como Peña de Bernal, mismo que está considerado como uno de los tres más altos del mundo.

Durante la época prehispánica, a las faldas de la peña habitaron grupos de chichimicas que daban calidad de sagrada a esta gran roca. Sin embargo, a mitad del siglo XVII, familias españolas arribaron al lugar expulsando a los chichimecas por considerarlos salvajes. Es a partir de este momento que el poblado empieza a ser conocido como Bernal, iniciando así un desarrollo moderado y una labor grande de evangelización.

Las vistas que ofrece Bernal, constituidas a partir de una modesta arquitectura e inmensos elementos naturales, son capaces de reintegrarnos a una nación de la que por voluntad somos exiliados. Todos aquellos que nos hemos abandonado a la urbe, encaminamos nuestra cotidianidad a partir de estructuras motorizadas que sin duda han coartado nuestra visión de lo que es nuestro país. Afortunadamente existe el escape, la búsqueda y Bernal, que nos abre los ojos y nos invita a extender el descubrimiento hacia otros lugares, que como él, existen en nuestro territorio.

En mi caso el hallazgo y la visita albergó recuerdos que estoy seguro perdurarán por mucho tiempo, no sólo por el aspecto territorial, también por la compañía con quien se compartió. Porque sabemos, los grandes momentos rara vez suceden en la individualidad.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2007-03-26T11:59:00.001-08:00

Chakota y Fútbol
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Desde pequeño he sido ajeno al fútbol y todo lo relacionado con él. De hecho, una de las posiciones más incomodas en mi vida es afrontar la pregunta: ¿A qué equipo le vas? porque claro, la respuesta: a ninguno, indudablemente recibe otros cuestionamientos que exigen una serie de explicaciones que me molesta dar y repetir una y otra vez. Es que en nuestro país la afición por el fútbol es enorme. Realmente, a veces pareciera ésta una condición natural del ciudadano mexicano, que por tal, en momentos me hace sentir un huérfano social. Tal simpatía por este deporte hace que sus seguidores vivan, sueñen y hagan girar su vida en torno a él. Conozco a más de uno que mira los juegos, por la noche no pierde de vista las crónicas de Los protagonistas; por si esto fura poco, al día siguiente compra el diario deportivo en el que se comentan los mismos juegos. Pero bien, tal apasionamiento es tan respetable como cualquier otro; porque la afición consiste precisamente en eso, en llevarnos hasta el extremo tan sólo por saciar un gusto particular.

Claro, mi inclinación por el fútbol es nula, sin embargo mantengo otras que me han llevado al limite de la locura además de hacerme realizar las acciones más descabellas, que igual para muchos parecerían injustificables o sencillamente sin ningún sentido.

Una de estas aficiones que en mayor medida rige mi vida, es la de pronunciarme por medio de escritos. Tal afición me ha mantenido muchas ocasiones al extremo del desvelo en busca de temáticas o haciendo revisiones mentales del texto ya realizado, por mencionar algunos excesos.

De hecho, muchas veces este espacio no me parece suficiente, me muevo a la búsqueda de nuevos sitios que den cabida a mi trabajo. En esa búsqueda es muy satisfactorio encontrar a personas que comparten las mismas intenciones. Mi último encuentro de esta naturaleza sucedió con CHAKOTA MAG.

¿Qué es CHAKOTA MAG? Se trata de una publicación bimestral que aborda temáticas relacionadas con deportes extremos, moda, artes; cuya edición es responsabilidad de Valentina Solis y Rafael Badillo, mismos con los que estoy muy agradecido por haberme otorgado parte de su espacio permitiéndome colaborar con un artículo. Mi participación lleva por título: De cine, sueños y realidades; fue publicada en el número doce de CHAKOTA, correspondiente al periodo marzo-abril.

Para conocer más acerca de ello pueden consultar: http://www.chakota.com/; ahí encontrarán los sitios en los que se distribuye este magazín novedoso y propositivo.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-03-13T17:10:00.001-08:00

De influencias, estilos e intenciones.

Hace un par de semanas envié a un amigo un artículo con el fin de que me hiciera hacer saber su opinión acerca del mismo. Adjunto a ese documento escribí unas líneas que hablaban al respecto de las influencias literarias y aquellas ideas que a veces funcionan como detonadores susceptibles de ser transformados en textos. En ese mensaje, le exponía que durante la universidad pasé por un momento en el que me clavé mucho con el trabajo de García Márquez. Justo en ese periodo descubrí cosas como El Otoño del Patriarca, obra que hoy día sigo reconociendo como una de mis novelas favoritas. El asunto es que en esa misma temporada escribí un cuento que yo mismo reconozco, se encuentra salpicado de influencias de un trabajo de Jordi Soler que también por esos días leí: Boca Floja.

Al revisar mi relato descubría marcas del trabajo de Soler y me cuestionaba: ¿Por qué no me salió más hacia lo garciamarqueano? Obvio que no me refería a calidad y estilo, tan sólo a eso, a la influencia; por qué iba yo hacia Boca Floja, cuando mis deseos se movían más hacia Macondo. La realidad es que con el tiempo he ido descubriendo que las influencias y el estilo son algo que no se puede elegir; ello lo elige a uno y no queda más que defenderlo.

Lo mismo sucede con las ideas o los temas de los cuales se escribe. En ocasiones he asistido a lugares, espectáculos o he visto películas que me han marcado, mas por razones que desconozco, no siento la necesidad de crearles un post o abordarlos en algún artículo. Por otro lado, otras veces he compartido aquí opiniones de asuntos o visitas que según yo no han sido tan definitivos en mí; pero algo sucede que me acosa la necesidad de escribir de ello.

Todo esto para comentar lo siguiente: En días pasados asistí a una de las presentaciones que Kings of Convenience ofreció en la ciudad. Una banda que me agrada mucho, y claro, fue un concierto que me dejó muy satisfecho por diferentes motivos, sin embargo, pese a mi intención me ha sido imposible plasmar todo aquello por escrito; y no es falta de tiempo. Es un no sé qué, que me lo impide, no me permite entrar en detalles del espectáculo y hace que por hoy sólo quede el texto que leen ahora…

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-03-07T12:08:00.001-08:00

Anna Karenina

El pasado fin de semana, El Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, albergó una serie de presentaciones del Ballet de San Petersburgo, mismo que dirige el coreógrafo Boris Eifman.

La propuesta que esta ocasión compartió la compañía lleva por título Anna Karenina, basada en la novela del mismo nombre de la autoría del escritor ruso Leon Tolstoi, publicada por primera vez en el año de 1872. Con base en esta obra literaria y nutrida por piezas musicales de Piotr Illich Tchaikovsky es que se forma el espectáculo más novedoso del cuerpo de bailarines de Eifman.

Ubicada en el siglo XIX, Anna Karenina, aborda la historia de una mujer de la alta sociedad rusa, esposa de Karenin y madre de un pequeño; que tras asistir a un baile cae enamorada de Vronsky; hecho que trastoca la vida emocional de la protagonista y trae como consecuencia la formación de un triangulo amoroso entre los personajes principales, que finalmente encuentra resolución en la tragedia.

Si por si misma la novela de Tolstoi constituye un drama capaz de trastornar a todo aquél que se acerque a ella; las andanzas de Anna Karenina interpretadas por el conjunto de bailarines cobra tal intensidad, que cada movimiento constituye un golpe capaz de atacar las emociones del espectador y llevarlas al extremo del miedo y la angustia.

El Ballet de San Petersburgo, considerado como uno de los mejores a nivel internacional, erige su valía no únicamente por la tradición dancística de su geografía, su real grandeza es resultado de la mezcla formada a partir del ballet clásico ruso, la danza contemporánea, aspectos del teatro moderno y elementos del lenguaje cinematográfico. Mismo que hace posible que su trabajo traspase la estética y sutileza de los movimientos armónicos para lograr proyectar incluso, rasgos psicológicos de sus personajes.

Además de todo lo anterior, el espectáculo de Anna Karenina obliga a la reflexión con respecto a las relaciones humanas y su desgaste natural consecuencia del tiempo. Cuestiona la estabilidad social contra la pasión y el erotismo, volviéndolos elementos incisivos al tratarse de un personaje femenino. Por lo que al final resulta difícil para el espectador alcanzar juicios equitativos, tal como resulta difícil evaluar el desarrollo de cualquier relación amorosa. Porque sabemos, el amor en un principio establece sus cimientos a partir del deseo, para posteriormente tornarse sólido como consecuencia de vivencias comunes que lo dotan de mayor complejidad, que en su transcurso, pueden llegar a alejarlo del erotismo que lo nutria en su principio…

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-02-27T17:47:00.001-08:00

El NO Arte Pop de Eero Aarnio
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El Pop-Art, –Arte Pop– nace en la década de los cincuenta; siendo el precursor de tal corriente artística, el pintor inglés Richard Hamilton. En su primera intención, el arte popular proyectaba masificar las expresiones artísticas removiendo de ellas la concepción de objetos únicos, trastocando la tendencia de los trabajos como elementos para producirse en serie y alcanzar la posición de unidades de consumo cotidiano.

En su desarrollo, dicha corriente fue retomada por el americano Andy Warhol, quien en los sesenta se enfiló como el mayor exponente del Pop-Art a raíz de sus trabajos pictóricos.

Actualmente el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México, presenta una colección denominada: Fantasías del Pop. El diseño de Eero Aarnio. Tal compilación reúne una serie de creaciones de Aarnio, diseñador finlandés. Mesas, lámparas y sillas que bajo la percepción de Eeron rebasan su condición básica para transformarse en algo más allá; jugando con la ergonomía, la estética y el estilo. Propuesta decorativa que gracias a su dinamismo extiende las funciones primarias y alcanzó el reconocimiento de “estilo de vida” a finales de los sesenta, teniendo como base la silla Ball. Un asiento a manera de esfera con cualidades de ergonomía, comodidad y armonía estética; que sin duda tras los años se ha afianzado como un icono cultural.

Aunque el trabajo y progreso de propuestas ha hecho que los proyectos de Eero se alejen del diseño industrial simple y utilitario para ordenarse más hacia los territorios del arte, parece demasiado arriesgado definir sus creaciones como elementos o tendencias del arte pop. Ya que si bien los objetos del finlandés aluden a colores estridentes y materiales propios de la corriente pop, su historia dentro del consumo los encamina generalmente hacia un mercado selectivo, alejado de la decadencia del capital –con los estragos que esto conlleva– al que sugiere la base del Pop.

Sin duda, digna de todo reconocimiento la oferta de Aarnio, erróneamente denominada Arte Pop. A veces no basta la incorporación de tonalidades para entrar dentro de una corriente. Tan arbitrario cálculo podría ser igual de peligroso como seleccionar el bolso Louis Vuitton con las canvas más llamativas y por tal distinguirlo como elemento clave del Pop-Art.
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Por Carlos Alberto Ruiz

2007-02-16T14:54:00.002-08:00

Camera Obscura

Algunos días atrás, Camera Obscura realizó su primer concierto en la Ciudad de México. Esta banda escocesa apostó por un espectáculo en el que ofreció gran parte de su último material de nombre Let`s get out of this country.

Es curioso, tal propuesta se encuentra en proceso de posicionamiento dentro del público nacional, de sobra sabemos, jamás alcanzará grandes multitudes. Sin embargo, sus expectativas seguro fueron rebasadas al mirar ante ellos a un público nutrido que los esperaba y vitoreaba cada una de sus interpretaciones. Mas la personalidad y actitud tan “escocesa” de los integrantes no dio para mayores emotividades.

Al final nos llevamos la sensación de haber presenciado un recital de calidad en todo sentido; en un ambiente de contacto con las pocas emociones que se permitieron los músicos. En general una buena velada, salvo por el grupo abridor, Chikita Violenta, algo así como los Magneto pero con instrumentos.

El evento tuvo lugar en el Polyforum Cultural Siqueiros, lo cual requiere mención aparte. El marco del mural del pintor mexicano puede engrandecer cualquier espectáculo. Es impresionante mirar tras los ojos de la música la sociedad decadente y luchadora que plasmó el artista. Esto transformó el concierto en un show multimedia enmarcado por una pantalla infinita.

Con respecto a la música de los Camera, me agrada mucho ese pop con el que juegan. Es raro, a veces parece que las agrupaciones escocesas se mantienen al margen del tiempo y de las corrientes para seguir defendiendo ese toque que únicamente puede ser capturado por los conjuntos de esa región.

Platicando con otros asistentes, fue inevitable el balance común; la analogía de la voz de Tracyanne Campbell con la de Elizabeth Fraser; las atmósferas de la guitarra de Kenny McKeeve con los viajes acústicos de Robin Guthrie. A partir de Camera Obscura pudimos estar cerca de ese otro ex-matrimonio escocés.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-02-14T19:20:00.001-08:00

De San Valentín

El 14 de febrero y su condición de fecha de festejo al amor es una situación que molesta a muchos. Lo irónico, les molesta a tal grado que llegan a darle tal importancia cuando en su opinión no tiene sentido. En mi caso no recuerdo haberlo celebrado como tal, mas no me hastía; considero que cada quien tiene el derecho de gastar su dinero y sus afectos como y cuando quiera. Si bien los artículos y programas de motivación nos sugieren que debemos amar a diario y no reservarlo para un solo día, creo que también ésta es una visión extrema; tan extrema como imaginar a alguien cocinando a diario pavo para recordar la noche buena.

Claro, el amor debe ser una constante, pero también recordemos que incluso en el amor existen los espacios de individualidad y soledad donde el otro no cabe. Es así que socialmente se toma un tiempo y lugar determinado para exponer y distinguir al amor a través del consumo; eso a muchos como les puede, pero ¿qué no es consumo en nuestro tiempo?

El asunto es que precisamente hoy, San Valentín, tuve que ir inevitablemente a una plaza comercial a realizar un pago. Me aterraba asistir en este día, sin embargo, me aterraba más el tener que pagar intereses por mi paranoia, así que literalmente: “hice de tripas corazón”.

Llegué al lugar, los almacenes envueltos en globos, docenas de adolescentes tomados de la mano; en pareja, en grupo, haciendo una celebración que de verdad se antojaba; que me hizo anhelar estar sentado con mis amigos en una mesa de McDonald’s. Pero bueno, mi entusiasmo no dio para tanto y tuve que buscar refugio y alimento por otros lados. Pese a lo congestionado del asunto corrí con suerte al recibir mesa de inmediato. Quedé sentado de tal manera que podía mirar un gabinete que compartía una pareja, la cual estaba uno frente al otro, ofreciéndose miradas de múltiples lecturas. Minutos después, el chico había saltado a tomar lugar al lado de la joven ¿quién puede encabronarse al ver eso? El egoísmo existe.

Y la anécdota del día: en un momento de la comida –que hacia solo y leyendo- el grupo de meseros rodeó mi mesa y empezó a cantar las mañanitas de lo más sabrosón; de repente, uno de ellos cayó en la cuenta de que el festejado se encontraba en la mesa de a lado, inmediatamente todos me dieron la espalda abandonándome en el pensamiento de lo patético que debe ser cumplir años el 14 de febrero y comer con tu alma…

Por cierto, no me gusta que me canten las mañanitas.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-02-06T19:42:00.001-08:00

Xipe Totec

Xipe Totec, cuya traducción al castellano significa nuestro despellejado señor, es el nombre de uno de los dioses de la cultura azteca. De acuerdo con la mitología prehispánica, esta deidad se retiró la piel para poder alimentar con ella a la humanidad. Los sacrificios para adorar a Xipe Totec consistían en desollar a los esclavos para poder así ofrecerle su dermis a este Dios de la fertilidad.

A partir de ello, el artista plástico Héctor Velásquez, realiza un trabajo formado por un conjunto de esculturas que evocan modelos de caras, manos, bocas y piernas humanas, que cubiertos con una fina capa de hilo crean una textura que dan la apariencia de cuerpos despojados de toda piel y muestran músculos al intemperie. Tales objetos constituyen una colección que se anuncia bajo el nombre del Dios azteca, Xipe Totec. Y con ella Velásquez crea metáforas de la piel humana como órgano capaz de regenerar la conciencia y emociones del hombre.

Mirar el trabajo escultórico de este artista, empuja hacia el miedo, el pánico que provoca la sangre, y cuya analogía del desollado nos lleva hacia el cuestionamiento de qué hay con nuestra sociedad actual, qué tan brutales son los sacrificios de nuestro tiempo y si alguna vez podremos llegar a cambiar de piel para transformarnos hacia una nueva humanidad.

Las expresiones y posiciones que adoptan los elementos de esta muestra invitan hacia diversas lecturas, sin embargo, algo hay, que en ellas prevalece la angustia y la reflexión que hace recordar lo alentadora que puede ser la expresión artística.

Xipe Totec, y otras colecciones de Héctor Velásquez, permanecerán expuestas hasta el mes de marzo en Terreno Baldío Arte en la Ciudad de México.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-01-30T16:37:00.002-08:00

I got power like Tony Blair
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Una de mis bandas favoritas en vivo es Plastilina Mosh. Me gusta la potencia, el dinamismo y la interacción que crean en sus presentaciones, y claro, su música como tal me parece que mezcla tantos géneros y ritmos que forma algo con cierta identidad y esencia que es muy único, muy Plastilina.

Hace unos días pude verlos nuevamente en una presentación de lo más extraña. Extraña en muchos sentidos. El evento tuvo lugar en el Séptimo Piso, un sitio que se encuentra en la azotea de un viejo edificio que alguna vez fuese una área de práctica de tiros de golf; y quizás sea ésta, su condición de espacio abierto, la que lo nutre de cierta extrañeza, entorpecimiento y lo deja indefenso ante las contingencias climatológicas, como esta vez, que una lluvia persistente no dio tregua en toda la madrugada.

El espectáculo incluía cinco bandas, sin embargo, mi arribo ocurrió pasada la media noche, casi cuando arrancaba Maria Daniela y su Sonido Lasser. ¡Maria Daniela!, me parece que es tan mala, tan mala, que por tal es buena. Una voz horrenda, sin el menor sentido de la entonación, sampleos como sacados de un teclado Casio, pero que al menos a mí al mirarlos en vivo me despoja de todo reproche y si no gusto, al menos me provoca diversión; además, nos parezca o no, este dueto es ya un referente del movimiento de esta generación.

Pero bien, llegó Mr. P. Mosh, con toda la intención de reventarnos de entusiasmo y sacar a flote la adrenalina del personal. Pero un aire demoledor, el cansancio de los que se encontraban ahí desde las nueve y unas gotas tupidas y persistentes obstaculizaron los buenos deseos de todos. La banda presentando casi todas las canciones del Tasty con algunos covers que nada más no cuajaron y sí construyeron un espectáculo desangelado. Y no fue por el grupo, no fue por la gente ¡carajo!, fue por el jodido clima y la lluvia que nada más no paró.

O tal vez fui yo. Hace algunos meses cuando compré el Tasty pasaba por un momento difícil, y recuerdo que para no pensar en ello repetía una y otra vez Millionare con el fin de acallar con la festividad de la rola los pensamientos ásperos. Pasaron algunas semanas, me olvidé de la rola y se esfumó ese asunto. Sin embargo, días antes de este concierto, para ir calentando motores subí de nuevo a mi reproductor el álbum y al escuchar Millionare ¡sorpresa!, la rola ya no me provocaba la alegría que solía darme, me regresó de vuelta a los pensamientos de aquello punzante que ella misma había ayudado a restablecer. Qué irónico, el antídoto se quedó guardando por siempre a la enfermedad…

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-01-15T17:43:00.002-08:00

Stranger Than Fiction
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Generalmente los humanos subestimamos los actos cotidianos; la constancia, repetición y continuidad de tales sucesos, los ha despojado de todo valor ante nuestra mirada. Sin embargo, toda vida, así sea del ser más ordinario, del personaje más inaudito, haciendo un conteo, tendrá un gran porcentaje de cotidianidad. Y es que en realidad los actos habituales representan el umbral de lo novedoso, por más absurdo que esto pueda sonar. Porque qué otra cosa puede suceder cuando lo cotidiano se mezcla con el destino: nada menos que los momentos más trascendentes de cualquier vida.

Y es a partir de estos dos elementos, cotidianidad y destino, que la cinta Stranger than fiction –Más extraño que la ficción-, del director Marc Forster, nos comparte una historia que revela los sucesos insólitos que pueden resultar de los actos rutinarios, así formen parte de la personalidad más obstinada. Todo a partir de la interacción de cuatro personajes: un agente fiscal, una escritora, un profesor de literatura y una repostera. Claro que lo que busca este texto no es revelar la trama de la película, la intención en realidad es exponer una idea que surgió a partir de ella.

Bajo algunas circunstancias creemos que nuestra vida atraviesa por momentos y situaciones extrañas que bien podrían ser resultado de una obra literaria. El sentir nuestra vida novelizada me parece la consecuencia más natural de las travesuras constantes que se permite nuestro destino cuando se aburre de tanta pasividad y hace tropezar a nuestra cotidianidad. Bajo el contexto de nuestras costumbres rotas no nos queda más que mirar con asombro todo lo que queda fuera de ellas, y en realidad, salir de lo ordinario es lo que nos refresca y nos permite integrarnos a la rutina con la mayor naturalidad. La sorpresa del destino es aquello que puede ser capaz de reajustar realmente nuestra conciencia y emociones. El integrar a nuestra existencia lugares, situaciones, emociones o personas desconocidas es lo que nos da pie a la continuidad.

Y como cierre dejo la siguiente cita, que bien puede sonar fuera de lugar, pero a mí me parece que tiene mucha relación con lo anterior:

“¿Pero cuándo el amor es propiamente amor? ¿Puede uno amar a quien lo acompañó por una hora? ¿Por dos horas, dos meses, dos años, dos minutos? ¿Se ama a quien se conoce, justamente por eso, o quizás al revés: conocemos para mejor desconocer, y así poder amar sin el estorbo de la realidad?”
Xavier Velasco

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-01-10T15:46:00.001-08:00

Comment

El siguiente post en realidad es un comment que realicé en el blog de una amiga, pero al haberse convertido en motivo de discusión y debate pensé en compartirlo también en este espacio:

"A veces las situaciones que ponen a nuestra vida al borde de la jodidez emocional, ni nos hacen más fuertes, ni mejores personas como muchos creen. Estoy convencido de que muchas ocasiones esas vivencias sólo están ahí para eso, dolernos. Y creo que así como nos regodeamos de aquellas circunstancias que nos parecen felicidad y las aceptamos sin cuestionarlas, también debemos recibir con la misma intensidad las emociones no tan favorables."

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-01-09T16:22:00.003-08:00

Cómo se forma la visión del mundo

Al mirar en retrospectiva podemos traer al presente destellos de nuestra vida pasada, usamos los recuerdos como un recurso de aliento que se nos revela a partir de imágenes. En este sentido, nuestra cotidianidad va quedando a resguardo en la memoria, que a lo largo de nuestra existencia va conformando un inmenso stock de retratos que a la vez constituyen nuestra esencia, nuestro conocimiento, nuestro total contexto de la realidad.

La imagen entendida como la representación de “algo”, constituye en sí misma un “objeto” registro. La imagen siempre es pasado. Si Octavio Paz sostiene que lo no nombrado no existe; de igual manera podemos sugerir que la acción no realizada, el lugar inexplorado, la soledad no vivida jamás podrá tener una imagen.

La imagen, y hablo en sentido total, no bajo los conceptos del retrato o la fotografía, simboliza de manera abstracta nuestro cúmulo de conocimientos y experiencias. Al hablar del lenguaje y sus códigos, se distinguen conceptos como el significado y significante; entendido este primero como la referencia mental que se tiene de un determinado código, si se carece de esa referencia de la memoria, el proceso de expresión será nulo.

De esta forma, la imagen o las representaciones mentales de nuestra vida constituyen el parámetro que sostienen nuestra presencia y marcan nuestra capacidad de interacción con los otros.

Así, cada una de nuestras vivencias y acciones se compacta a una imagen. De hecho, emociones y sentimientos tan subjetivos como la felicidad, el dolor, el amor y el desprecio tienen una forma y color específicos para cada individuo. Quien haya atravesado por alguna de estas circunstancias sin duda cuenta con una imagen de lo que para él representa. Y tal vez parezca descabellado, pero me parece que es de esta manera la forma en que cada persona construye su visión del mundo. De hecho, quién puede crear su visión del planeta Marte con base a las imágenes del web site de la NASA, generalmente nuestra imagen de tal lugar obedece más a nuestra concepto visual de lo desconocido (sí, a lo desconocido también le damos una imagen).

Nuestra mente constituye un proyector infinito capaz de visualizar lo más abstracto. Por cada persona en la tierra puede existir un color diferente para la soledad, un lugar diferente para la sed y una textura diferente para el deseo.

Por Carlos Alberto Ruiz

2007-01-04T16:46:00.001-08:00

Museo del Estanquillo

El Museo del Estaquillo recién abrió sus puertas en la Ciudad de México, un recinto en homenaje al ensayista mexicano Carlos Monsivaís. Su espacio aloja juguetes, maquetas, caricaturas, miniaturas, fotografías y demás objetos de arte formal. Tal colección es propiedad del escritor, que durante ya varios años se ha dado a la tarea de recopilar objetos, que vistos bajo la vitrina que representa esta área, nos permiten descubrir el qué y el por qué de la sociedad mexicana.

La exposición lleva por título En Orden de Aparición, y en tres salas exhibe un abanico que narra las tradiciones de la sociedad mexicana. Claro está, respeta estrictamente el orden cronológico, y así como da inició con maquetas que revelan la historia del mestizaje en nuestro país, el desarrollo presenta cómo fueron creados los cimientos que sostienen hoy día la sociedad que somos. Mirar esta muestra es, guardando toda proporción, como poder caminar a través del Laberinto de la Soledad de Octavio Paz.

Hace poco más de diez años, el Palacio de Bellas Artes, albergó una exposición muy ambiciosa, llevaba por nombre México de los 20’s a 50’s, cuyo resultado emocional en el visitante era algo muy similar a lo que provoca El Estanquillo. Por supuesto, si hoy no tengo la capacidad para entenderlo del todo, en esos años menos, pero me marcó.

En realidad quedé muy complacido al visitar este nuevo museo de la ciudad. Me asombró la calidad de las instalaciones, el curado de las obras y que además es gratuito. Tanta belleza abrió mi desconfianza por lo que temí que tal empresa podría desaparecer más o menos tan rápido como muchas otras cosas en nuestro país. Afortunadamente una guía del lugar despejó mis dudas al decirme que se trata de un proyecto a largo plazo auspiciado por el Gobierno del DF, el mismo Monsivaís y otros particulares; y que esperan en seis meses cambiar algunas piezas porque la colección del escritor va más allá de la capacidad del espacio.

Así con este post arranca el 2007. Con muchas incertidumbres, con gran fuerza para afrontar todo lo que estos meses puedan ofrecer y cuestionándome cómo en ocasiones las certezas de nuestra vida pueden depender de otra persona.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-12-31T10:20:00.002-08:00

Día final del 2006

Generalmente las agendas sirven para registrar en ellas las tareas y actividades que se tendrán en un futuro, en mi caso es distinto. Aproximadamente llevo cuatro años usando mi agenda para registrar mi pasado, es decir, anoto en la fecha correspondiente alguna visita que realicé, algo que descubrí, el día en que inicié o terminé la lectura de un libro, o bien mis visitas al cine. Por supuesto esto constituye una manía más de todas las que me ahogan, que en ocasiones me auxilia para dar referente del rumbo que va tomando mi vida, refrescar la memoria de vez en vez y a veces me permite asombrarme de que pasé por hechos o vi cosas que no recordaba.

Hoy, como cierre de este año, rescato de mi agenda anual las películas vistas durante este periodo, que pueden hablar y mucho, de lo que estos doce meses encerraron para mí. Por supuesto, que en este listado existen cintas que preferiría omitir y otras que me hubiera encantado integrar, pero este no es un espacio donde quepa la apariencia y el registro debe quedar tal cual sucedió y en estricto orden cronológico:

Separate lies, Laberinto de mentiras, Dir. Julian Fellowes
Cosas que hacen que la vida valga la pena, Dir. Manuel Gómez Pereira
Munich, Dir. Steven Spielberg
Derailed, Descarrilados, Dir. Mikael Håfström
Brokeback Mountain, Secreto en la montaña, Dir. Ang Lee
The Three Burials of Melquiades Estrada, Los Tres Entierros de Melquiades Estrada, Dir. Tommy Lee Jones
Capote, Dir. Bennett Millar
Two For The Money, Dos por el dinero, Dir. D.J. Caruso
Match Point, La provocación, Dir. Woody Allen
Crónicas, Dir. Sebastián Cordero
Breakfast on Pluto, Desayuno en Plutón, Dir. Neil Jordan
Så som i Himmelen, Así en la tierra como en el cielo, Dir. Kay Pollak
The Da Vinci code, El código Da Vinci, Dir. Ron Howard
Mission: Impossible III, Misión imposible III, Dir. J.J. Abrams
X-Men: The Last Stand, X Men 3: La Batalla Final, Dir. Brett Ratner
Transamerica, Dir. Duncan Tucker
Melissa P., Dir. Luca Guadagnino
16 Blocks, Muerte súbita, Dir. Richard Donner
Comme une image, Miradas ajenas, Dir. Agnès Jaoui
Poseidon, Poseidón, Dir. Wolfgang Petersen
The White Countess, La condesa blanca, Dir. James Ivory
The lake house, La casa del lago, Dir. Alejandro Agreste
Elsa & Fred, Dir. Marcos Carnevale.
Sólo Dios sabe, Dir. Carlos Bolado
The devil wears Prada, El diablo viste a la moda, Dir. David Frankel
Hard Candy, Niña mala, Dir. David Slade
El laberinto del fauno, Dir. Guillermo del Toro
Volver, Dir. Pedro Almodóvar
Babel, Dir. Alejandro González Iñárritu
The departed, Los infiltrados, Dir. Martin Scorsese
La science des rêves, La ciencia del sueño, Dir. Michel Gondry
Manderlay, Dir. Lars von Trier
Evil, Sólo contra sí mismo, Dir. Mikael Håfström
Children of men, Niños del hombre, Dir. Alfonso Cuarón
Eragon, Dir. Stefen Fangmeier

Cambiando bruscamente de tema, el día de ayer terminé la lectura de La Isla de la Pasión de la autora colombiana Laura Restrepo, y a manera de regalo de año nuevo, quiero compartir una cita que desde que la leí no ha dejado de retumbarme en la cabeza:

“Yo quisiera que además de enamorados y esposos, un día pudiéramos ser amigos, tú y yo.”
Laura Restrepo

Feliz año a todos y gracias por visitar este espacio.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-12-22T14:08:00.001-08:00

De aeropuertos y despedidas

Uno de los sitios más impersonales sin duda son las centrales aéreas. Pasillos y salas que dan cabida a pasajeros, empleados y coyotes que transitan y comparten espacios comunes dejando fuera cualquier interacción que no sea de rutina. Y en esa afluencia que se incrementa durante el mes de diciembre, es curioso observar como ese gran espacio público puede convertirse en un área que otorga intimidad y privacidad a un viajero solitario, a una familia, o una pareja.

Es extraño, en el momento que abrazas y dices adiós al que se va, esa multitud te da una tregua y te permite poder expresarte como si nadie más existiese en ese lugar, tan sólo tú y tu compañía. Creo que si alguna persona llora en un autobús, en un almacén o en un lugar público distinto será objeto de diferentes miradas impertinentes que cuestionarían e incluso se incomodarían por la acción, sin embrago, el aeropuerto puede convertirse en un espacio en el que puedes llorar, despedir tristemente a alguien, sobrevivir la experiencia del abandono de aquél que huye, y pese a experimentar algo de esto puedes pasar desapercibido. Las centrales aéreas dan cabida a tan extremas y diferentes expresiones humanas que difícilmente alguna de ellas puede llamar la atención de los extraños.

Y ayer fue mi turno, me hallé en una despedida, arrebatando un abrazo breve pero con una intensidad infinita, siguiendo la silueta de alguien que atravesaba hacia la sala de abordar, para posteriormente salir yo de aquel lugar con una expresión de huérfano y la cabeza llena de dudas.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-12-19T18:32:00.003-08:00

Lars Von Trier

Lars Von Trier, representa a uno de los contados directores cinematográficos cuyo sentido de la trasgresión y provocación, va más allá de un guión en extremo dramático decorado con escenas amenazadoras. Su filmografía cuenta más de veinte trabajos, algunos muy trascendentes que incluso, le han sido reconocidos con la Palma de Oro. Particularmente existen dos cintas de Von Trier que destaco por su estética visual y temática: Dogville y Manderlay, ésta última, exhibiéndose en algunas salas de la Ciudad de México en este momento.

El argumento de estas historias pone sobre la mesa aspectos fundamentales y sórdidos de la condición humana. Retrata abusos, humillaciones; además se permite jugar con la moralidad cual si ésta fuera una masa que puede cambiar de forma según los diferentes tiempos y escenas.

Visualmente Dogville y Manderlay, proponen nuevos universos y rompen esquemas dentro de la industria cinematográfica contemporánea. Ambos títulos fueron rodados dentro de un set neutro, en cuyo espacio no existen puertas ni paredes; únicamente unas líneas pintadas en el piso permiten instalar límites a los espacios y dar referente de las condiciones del entorno.

Estos dos trabajos comparten lazos de continuidad, sin embargo, pueden ser entendidos de manera individual. Claro que en cualquier caso, las historias exigen tal atención que en ocasiones no hemos digerido un diálogo, una escena, un movimiento de cámara, cuando ya tenemos el siguiente gritando para ser atendido.

Los últimos días del año están transcurriendo, y dentro de este cierre de ciclos, creo muy valida la consideración y recuento de aquellas películas que miramos a lo largo de estos doce meses. Por eso creo que Manderlay representa una muy buena manera de cerrar ese conteo.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-12-04T18:54:00.001-08:00

XOCHICALCO

Xochicalco representa una de las zonas arqueológicas más excepcionales de nuestro país, esto debido a la influencia multicultural que envuelve a su arquitectura y diseño, en ella tienen cabida aspectos de las culturas teotihuacana, maya y olmeca, que son evidentes y asombran a cada paso. Se encuentra en el estado de Morelos, a sólo 38 km de Cuernavaca.

Su tiempo célebre tuvo lugar en el periodo llamado epiclásico 650-900 d.C. Dentro de las ruinas que constituyen esta zona, sobrevive aún lo que alguna vez fue la plaza central, el adoratorio, cisternas para el almacenaje del agua de lluvia y tres áreas destinadas para el juego de pelota. La edificación de esta ciudad surgió como consecuencia de nuevas formas políticas, económicas, culturales y de organización de la época, que acogió a grupos provenientes de distintas regiones. Sin embargo, el crecimiento de la población y la inestabilidad repercutieron en una destrucción con violencia que derivó en la salida de sus pobladores que se enfilaron hacia otros territorios.

Esta visita alcanza emotividad por las condiciones que la envuelven. Generalmente es difícil conseguir compañía para un paseo de esta naturaleza. Esta ocasión no existió batalla por ello, hace un par de semanas me encontré en el momento, lugar y con la persona indicada, tipo revelación que mentalmente sugiere que está ahí a quien buscas, lo mejor, es la sensación de felicidad que deja el saber que resultó y el asombro al pensar que el destino sigue colocando personas valiosas en tu camino.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-11-24T19:23:00.001-08:00

The Tormentors Tour II

De acuerdo a las estadísticas, la Ciudad de México está ubicada en el sitio 180 de 215 en lo que refiere a su posición en la condición de vida de sus habitantes, y los que permanecemos aquí sabemos muy bien por qué. A pesar de todo, el estado de estrés y desolación ciudadana quizás sea contrarestado con una fuerza y capacidad de excitación infinita.

Mentiría si dijera que el 16 de noviembre fue la primera vez que he visto tan entregado al público de la ciudad en un concierto. Por fortuna, lo he corroborado con anterioridad, pero esta ocasión, al menos para mi fue distinto, Morrissey estaría al frente haciendo no muchos esfuerzos para desquiciar y complacer a “su multitud”. Pese a la historia acústica del recinto –Palacio de los Deportes-, supuse que no se podría mejorar la calidad del sonio ofrecido en Guadalajara, pero de verdad, se logró.

Todo inició con un grito de ¡Pánico!, que hizo arrancar a saltos al público de pista que de inmediato empezó a cocinarse en una sopa de adrenalina y por supuesto, de emociones… Los cantos y gritos desgarradores poco a poco surtieron efecto entre los que ahí nos encontrábamos, y aclaro, esta vez no puedo hablar en singular, porque sé que mis sentimientos eran repetidos por aquellos que me rodeaban y eso los desprende de toda originalidad.

El set list, casi similar al anterior, con algunas modificaciones en el orden, eso sí, con una intensidad duplicada. Imágenes aún más palpables, el teléfono móvil registrando mensajes de afecto, algunos, cuestionando los ánimos del evento, entregando los saludos y envidias de aquéllos que desafortunadamente no pudieron asistir.

Moz instalado esta vez en su papel incansable de halagos, excitándonos a la menor provocación, resolviendo con gestos y movimientos de su boca el deseo de muchos. Lo sorprendente, verlo chasquearse al saberse dueño de todas esas almas, como quien ha finalizado la tarea con éxito, tras el inicio de los acordes de Please, Please, Please Let Me Get What I Want, donde una arrebato de nostalgia abordo a la multitud, tal como si un adulto desnudo y cansado encontrara de repente el juguete que más lo hacia feliz de niño, así fuimos muchos en ese instante. Sin embargo, dentro de tal multitud pude arrebatar un obsequio particular, me bastó escuchar apenas los inicios de ese riff para saber lo que salía de esos bafles: The National Front Disco, el momento más intenso de ambas fechas, en el que el cuerpo y la mente sólo me dieron para entregarme a esa armonía con toda la carga emocional que ello implicaba.

Con esto, no sólo concluyeron momentos que recordaré de por vida, también, significó el cierre de algunos ciclos, pero debo ser sincero, no puedo mentirles, mucho menos a mí; me quedo con el hueco de There Is A Light That Never Goes Out, pero sé que ese vació me mantendrá y buscará ser saciado en otra presentación…

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-11-22T16:30:00.001-08:00

The Tormentors Tour I

Algo de lo que más me asombra de la condición humana, es la capacidad de percibir distintas emociones, sentimientos que aparecen y nos permiten experimentar diferentes estados de ánimo. Eso me asombra y me deleita, más cuando tal reacción es consecuencia de una película, una canción, una fotografía, una novela, una pintura, una charla, o un concierto… ¿Y a qué viene esto?

La semana anterior me convertí en una licuadora emocional que vivió nostalgia, alegría, satisfacción, felicidad, excitación, euforia, pasión entre otras muchas cosas. Todo esto claro, resultado de presenciar dos de los tres conciertos que ofreció Steven Patrick Morrissey en nuestro país – me refiero a las fechas de Guadalajara y Ciudad de México-. El primer recital, arrancó con William, It Was Really Nothing, bajo un sonido impecable, con un Morrissey entero que me demostraba que no era alocado imaginar el oir alguna vez aquella canción en vivo. Una grata sorpresa iniciar así, con la cabeza vuelta hacia recuerdos de la universidad y todo lo que ello involucra. Y claro, la noche no sólo sería eso, me traería además al presente, al pasado inmediato y me ofrecería la satisfacción personal de encontrarme de frente con un poeta pronunciando sus propias emociones para transformar la conciencia y sentimientos de los otros.

Sin embrago, muchas veces la emoción particular depende de la colectiva, que esta vez no fue tan intensa debido al clima del público tapatío, muy pasivo, con nula interacción y con la mínima intención de asombro. Por mi parte, deje que mis pensamiento se fueran en ese presente con fondos como In The Future When All's Well, de dinamismo maniaco; Disappointed, la canción que más agradecí esa noche; Let Me Kiss You, con una intensidad frenética y de romanticismo brutal que me hizo odiarme por no estar enamorado; Girlfriend In A Coma, que me arrancó una felicidad infinita al observar a un Moz radiante de saberse detonador de emociones; How Soon Is Now?, que me demostró que una rola que no puede ser tu favorita en estudio, puede serlo en su versión en vivo.

Toda una vorágine de imágenes evocadas que compartía en mi cabeza con la que el escenario me ofrecía. Fui llevado de sorpresa en sorpresa y también, por qué no, hacia el recuerdo del set list compartido con anterioridad y dar gracias de que fue únicamente en el blog y no en Las Vegas, ya que de lo contrario, lo hubiese perdido todo, puesto que sólo acerté a cinco canciones, y no me atrevo a decir desafortunadamente, porque disfrute lo que escuché y algunas de esas complacencias jamás las hubiese anotado por considerarlas más descabelladas que las que registré.

Salí del sitio flotando, vagando de madrugada en una ciudad que no conocía y hoy día aún desconozco, con la única intención de repetir la experiencia…

Muchas gracias a mi amiga Silvia Morales, quien se ofreció a llevarme al aeropuerto, esos detalles se agradecen desde la médula – de verdad Sil, me acordé de ti cuando sonó First Of The Gang To Die, tal cual fue la promesa-.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-11-08T19:23:00.003-08:00

Tula

“Cómo puedo sentir nostalgia por una cultura que no conocí…”
Ernesto “Che” Guevara

Tula fue una de las ciudades más importantes del México prehispánico. Su tiempo se remonta al año 1000 d. C. y su poder se mantuvo por cerca de cuatro siglos. El centro que aún perdura compuesto por dos pirámides, constituía un foco religioso, político y administrativo. De acuerdo con los estudios realizados y la perspectiva que remonta a la arquitectura original, los llamados Atlantes, no se encontraban a la vista y únicamente tenían acceso a ese espacio sacerdotes y mandatarios.

Personalmente, me parecen fastidiosos los términos como “calidad de vida”, “calidad de tiempo” o cosas como “cargarse de energía”, frases que en realidad considero no deberían permitir usar en programas como Diálogos en Confianza y con Sello de Mujer, sin embargo sucede, y la gente las adopta y avienta en sus platicas “interesantes”. Y anoto esto, porque en mi visita a Tula me salí de tiempo, me enfrasqué en un sitio tan lejano y atemporal que me aisló de mi civilización y me regresó de vuelta a ella con una sensación extraña de revitalización total que por poco y me hace aventarles ahora el “me cargué de energía”, por fortuna, algo me tira de la lengua, me hace recapacitar y compartirles que volví en paz conmigo mismo.

Texto e imagen por Carlos Alberto Ruiz

2006-10-23T13:06:00.002-07:00

Portraits de Mario Testino

Mario Testino es uno de los fotógrafos más importantes dentro del mundo de la moda. Su trabajo ha sido usado para campañas de publicidad de las más afamadas casas de costura europeas, para el arte de diferentes producciones discográficas y ha hecho sesiones particulares para la familia real inglesa. Su trabajo visual se enfoca al retrato, y de hecho, ese es el título que lleva por nombre la exposición que actualmente se presenta del artista en nuestro país en el colegio de San Ildefonso.

Portraits es una exposición que presenta 88 trabajos de Testino, imágenes agresivas, de posiciones transgresoras y de miradas que permiten múltiples lecturas. Fotografías de gran formato, la mayor parte de ellas bajo la técnica del full color, dotadas de gamas estridentes, encantadoras. El blanco y negro se disfruta, pero particularmente, en Mario prefiero el color. Creo que cada artista es más libre e ilimitado bajo ciertas técnicas. Así como Maya Goded es infinita en el blanco y negro, Mario Testino es mayor en color.

Una exposición que ha recorrido Londres, Milán, Ámsterdam, Edimburgo, Tokio y que aguardará en nuestro país hasta enero del 2007.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-10-19T17:18:00.002-07:00

Dios no podía tenernos tan abandonados…

Ya hacia días, que rondaba la versión de que Morrissey se presentará en nuestro país. Me abstuve de hacer comentarios al respecto por miedo a que fuera tan sólo un rumor. Pero una vez con tickets en mano me atrevo a celebrar y compartir la buena noticia de tener a Moz en nuestro país. Dos días, dos, en los que veremos la luz encendida y aparecer frente a nosotros.

Con base a las dieciocho rolas que está tocando en promedio –según cerró el primer bloque de la gira en agosto- me permito presentar a ustedes mi dream set list, rogando a todos los santos que la gran ausente no sea There Is A Light That Never Goes Out, aunque siendo realistas, tal complacencia se antoja difícil, ya que tal rolón no es tocada desde diciembre del 2004, y pese a la constante petición de la muchachada, el Moz simplemente se niega.

In The Future When All's Well 1
Girlfriend In A Coma 1
National Front Disco 3
The Youngest Was The Most Loved 1
Munich Air Disaster 1958 2
Let Me Kiss You 1
Seasick, Yet Still Docked 3
I'm Not Sorry 2
I’ll Never Be Anybody’s Hero Now 1
The More You Ignore Me, The Closer I Get 2
Still Ill 1
First Of The Gang To Die 1
Shoplifters Of The World United 2
Stop Me If You Think You've Heard This One Before 1
My Life Is A Succession Of People Saying Goodbye 2
November Spawned A Monster 3
Boxers 3
There Is A Light That Never Goes Out 3

1 = Muy probable, casi es un hecho
2 = Tiene posibilidades
3 = Ni lo sueñen…

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-10-18T16:44:00.002-07:00

PONLE PLAY...

El sábado anterior -14 de oct.- tuvo lugar un mini festival bajo pretexto de la visita de Los Amigos Invisibles a nuestro país. Tal evento fue denominado como PLAY, y dentro de las “bandas” que se presentaron además de la antes citada, fueron Kinky y Nortec. De hecho mi presencia se debió a estos últimos y no a Los Amigos. Lo siento, pero ese grupo nunca me ha movido mucho, menos su Cuchi Cuchi Baby…

Lo jodido de la noche es que una vez más tenía que enfrentarme con el Instituto Mexicano del Sonido, anteriormente ya comenté lo que me generan, así que esta noche suponiendo que serían de los primeros en presentarse, retrasé mi llegada esperando arribar una vez concluida su actuación, pero vaya mi suerte, a los cinco minutos de entrar inició el mentado suplicio. Por fortuna en ese momento me encontré con unos viejos amigos y el ruidoso y bobo fondo sólo sirvió para acompañar la charla. Por supuesto los brothers de Nortec dieron un muy buen espectáculo y se presentaron los seis miembros. Es la segunda ocasión que los veo en vivo, pero creo que este fue mejor set list que el anterior, sólo les falto tener las pantallas de fondo y no en los laterales. Kinky presumió una ecualización como los grandes y claro, hicieron algunas canciones del nuevo disco, del Atlas y del debut, en realidad muy buenos; de Los Amigos, el sonido fue excelente, ejecutaron muy bien, la gente les respondió, pero bueno, arriba ya vertí mi opinión.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-10-12T12:49:00.001-07:00

Ni para Dios ni para el Diablo

El escritor turco, Orhan Pamuk, es el ganador del Premio Nobel de Literatura 2006, comunicó hoy la Academia Sueca de la Lengua.

Más información en: http://www.eluniversal.com.mx/notas/380742.html

2006-10-10T19:47:00.001-07:00

I thought Oh God, my chance has come at last...

Steven Patrick Morrissey

2006-10-05T08:13:00.003-07:00

Hacia el Nobel de literatura 2006

En los próximos días se dará a conocer el nombre del Premio Nobel de Literatura 2006. Dentro de los fuertes candidatos se encuentran el autor peruano Mario Vargas Llosa y el mexicano Carlos Fuentes. Yo, voy con Vargas Llosa, y no por obedecer a una conducta malinchista, en realidad tiene que ver más con el gusto personal y la identificación. Por supuesto, hace algunos años recibí muy bien a La Ciudad y los Perros, historia del peruano, una novela que me atrapó a tal extremo de ser uno de los textos que trabajo en la actualidad con mis estudiantes de la materia de Técnicas de la Comunicación. Todo lo contrario me sucedió con el trabajo de Carlos Fuentes. La lectura de Aura me pesó por muchos días –a pesar de ser un libro muy corto-. Intenté una segunda aproximación con el clásico, La Muerte de Artemio Cruz, que he de confesar, su narración en segunda persona no me permitió avanzar más allá de la cuartilla setenta.

En este caso para mi elección dejo fuera la posición política e ideológica que mantienen cada uno de estos autores, porque de manera particular creo que no es el caso en discusión.

Pero reitero, yo, voy con Vargas Llosa. Por La Fiesta del Chivo, por su nuevo ofrecimiento, Travesuras de la Niña Mala, por toda emoción que me ha despertado con su trabajo…

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-10-02T14:13:00.001-07:00

Hard Candy

Niña Mala (Hard Candy), se nos revela como una película cruda, que sí con muchos elementos de irreal, pero no por ello menos cruda. Cómo momento climático de la cinta nos encontramos la escena de una castración casera. Por supuesto durante el preámbulo y desarrollo de tal ejecución quirúrgica muchos de los ahí presentes, y por supuesto yo mismo, no dejamos de retorcernos al interior de nuestra butaca.

El noventa por ciento de la historia se cuenta al interior de una casa y en este sentido la fotografía se resuelve de muy buena manera y eso hace que la película fluya de forma muy rápida. Personalmente me parece buena, aunque no podría ver una película similar hasta dentro de unos meses.

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-09-27T16:17:00.001-07:00

In a Manner of Speaking

Ayer se presentó por segunda vez en nuestro país Nouvelle Vague. ¿Qué es Nouvelle Vague? Es un proyecto francés que coverea canciones de Sister of mercy, Depeche Mode, The Cure, New Order, etcétera. Lo interesante es que todas estas interpretaciones las hacen a ritmo de Bosa Nova, lo cual resulta de lo más interesante.

La banda tocó por poco más de una hora interpretando los éxitos de ayer hoy y siempre, que coreo un público reducido, pero muy entregado –como dijeran en El Reforma-. El sonido fue impecable, la ecualización de guitarra fue muy trasparente, las voces se distinguían una de otra salidas de dos interpretes de sueño -Phoebe y Mélanie -que entre canción y canción electrocutaban con agradecimientos en francés. Bajo unas danzas espontáneas estas dos mujeres dotaron el show de una gran carga de sexualidad-sí, así, sexualidad y no sensualidad- que a más de uno y una dejaron en estado de shock al terminar la presentación.

A nivel personal yo quedé más que satisfecho porque se cumplió una complacencia. La banda tocó In a manner of speaking. Todos cuando asistimos a un concierto esperamos ansiosos que salga de los bafles una rola en especial, en este caso esa fue la mía, y se pudo…

Lo terrible de la noche, fue que los encargados de abrir el espectáculo fueron los del Instituto Mexicano del Sonido, terrible. Me deprime pensar que los londinenses tienen a The Chemical Brothers y nosotros a “eso.”

Para ampliar tal información: www.nouvellevagues.com

P.D. Algo que sin duda me quedo claro, fue que la pareja de Mélanie debe ser creyente, porque no puedo entender otra manera de agradecer tal cosa…

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-09-24T10:40:00.003-07:00

The Devil Wears Prada

Ayer asistí a ver la cinta de “El diablo viste a la moda”, basada en el libro de Lauren Weisberger, “The Devil Wears Padrada”. La adaptación tiene muchos cambios que distan de la historia original, pero bueno, es obvio que tendrían que ser diferentes por tratarse de medios distintos. Tanto la película como el libro tienen un significado muy especial para mi, yo compré el libro este verano en condiciones muy pero muy especiales, por lo que al mirar la cinta no pude dejar de recordar todas esas vivencias y lo que para mi representan. Así que la cinta como tal es facilona, divertida, nada pretenciosa, pero a mí, quizás por todo lo que representa me pareció que cumple, pero repito esta calificación se la doy por mi contexto, por lo cual mi evaluación es totalmente subjetiva, no me la crean mucho…

A propósito de historias literarias llevadas al cine voy a citar algo que alguna vez le escuche a Arturo Pérez Reverte al respecto de sus historias convertidas en película: “Las novelas son como las hijas, uno las cría, las mantiene, las procura, para que en un momento llegue un hombre a su vida -en este caso el director- y haga con ellas lo que quiera…”

Por Carlos Alberto Ruiz

2006-09-22T18:00:00.001-07:00

There is a Light that Never Goes Out

Todo final representa un principio. Las cosas, los sentimientos, los pensamientos permanecen, son como una luz que siempre estará ahí, y pese a que ya no esté en este lugar nunca se irá...

Por Carlos Alberto Ruiz